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MAINA CORDERO Y NOELIA FARÍAS

2009-10-25T23:02:00.000-07:00

- Del 30 de octubre al 27 de Noviembre de 2009-

Dos miradas , dos propuestas , dos artistas que se dejaron envolver por un mundo vegetal , de hacer lo que les gusta, y la alegría de vivir juntas esta experiencia de mostrar lo que hacen.

El dibujo sobre papel vegetal , los objetos y las pinturas sobre tela en óleo serán los atractivos principales que proponen las artistas Maina Cordero y Noelia Farías en la sexta Exposición del año en Artis y que será inaugurada el Viernes 30 de Octubre a las 20 hs

.BIENVENIDAS

MAINA Y NOELIA A ARTIS.

Así se vivó la Gran velada
de la Exposición de Maina Cordero y Noelia Farías

Las Protagonistas , Maina Cordero y Noelia Farías

Las artistas junto al Director de Artis , Arq. Gustavo Limperis

Entrevista de Natalia Elías (*)
Maina Cordero y Noelia Farías

Sus Inicios en el Arte,
Para conocerlas

La iniciación en el arte de Noelia comienza en su infancia , concurrió a una escuela donde la creatividad era el principal motor para aprender. Cuando terminó el secundario, no dudó en seguir la carrera en la escuela de arte, ahí fue donde descubrió la verdadera dimensión del arte, conociendo a profesores, artistas que aportaron mucho en su formación.

Mientas que Maina estudió siete años en la Escuela de Arte significando una experiencia importante en su vida, “muchas veces trabajaba hasta la noche en la escuela, era mi casa, tuve profes que no me hablaban de la materia pero ellos eran una obra de arte, aprendí mucho”. En febrero de 1997, con una amiga pintora y dos escultoras instalaron un taller en la casona antigua que albergaba la galería de arte Praxis. Allí estuvieron cinco años en un mundo privado, y abierto a la vez. Fortalecieron la cotidianeidad del trabajo en la obra, hablaban sobre el arte, sobre sus vidas y se reían mucho ,recuerda la artista.

-¿Qué sienten antes de comenzar una pintura o cuando ven la tela en blanco?

- Noelia- Lo primero que siento, es mucha ansiedad, y luego comienza el juego, como un acto infantil donde uno crea un mundo que no existe y se mete en él.

-Maina- Nunca veo la tela o el papel en blanco, cuando me acerco al comienzo de una obra tengo la cabeza cargada de imágenes, de composiciones, de colores.Comienzo con grandes certezas, pero durante el proceso estoy dispuesta a perder todo, a cambiar de rumbo, me fascinan los accidentes, me deslumbra el abandono que uno sufre y goza ante la obra. Lo primero que se pierde en el arte es a uno mismo. Lo primero que se encuentra, tambien, es a uno mismo.

- ¿Sus vivencias influyen en la producción de la obra?

-Noelia- Claramente, las vivencias, los deseos, obsesiones y fantasías no pueden escaparse a la hora de producir, inevitablemente uno procesa todo el tiempo y luego sale.

-Maina- Lo que vivo va definiendo mi obra y mi obra redefine mis vivencias. Si no hago arte no soy nadie, no existo. Lo que lloro y lo que gozo impregnan mi obra. Lo que sueño por las noches es importantísimo para mis dibujos, y todo el placer que deslizo sobre mis papeles carga de sensualidad mis sueños.Trabajo con materiales grasos sobre papel vegetal, acetatos, vidrios, aluminio para multiplicar la sensación de placer.

-¿Qué narraciones quieren transmitir al realizar su trabajo?

Noelia- Prefiero el misterio, lo ambiguo, sugerir sensaciones, si hubiera algo específico, no lo diría, me interesa que el que vea mi pintura pueda implicarse y determine libremente un contenido.

Maina- Creo que desde siempre en mi obra ha estado presente el placer. El cuerpo como receptor y generador del placer. He trabajado obras de gran tamaño donde involucro mucho mi propio cuerpo, y fuera del tamaño del soporte, jamás estoy frente a la obra inmóvil, casi siempre bailo mientras pinto.

-¿ Que esperan de cada exposición. Les interesan las criticas del periodismo especializado, curadores, coleccionistas, colegas , publico en general?

Noelia- Lo que espero, es que haya una devolución de alguna manera…aparte de mi crítica, toda opinión que venga de afuera, siempre es enriquecedor, y es necesario.

Maina- “Los críticos olvidan, con demasiada frecuencia, que una cosa es cacarear, otra, poner el huevo.” ( Oliverio Girondo ) Me interesa mucho escuchar todas las críticas, pero sobre todo la de mis colegas y el público, a veces me hacen reír mucho o me dan ideas geniales. La opinión de los críticos en algunas ocasiones, se siente lejana a la verdadera experiencia del arte.

Abriendo la sexta Exposición en Artis

Maina Cordero y Noelia Farías

Dos artistas que necesitan reinventar constantemente su creatividad por eso a Noelia le interesa indagar con respecto a la técnica para experimentar otras maneras, le gusta releer sobre algunos períodos de la historia del arte, cómo la pintura iba de acuerdo con lo que ocurría en cada época, también la vida de algunos artistas. Además de la pintura le gusta mucho el cine, las películas de terror, ciencia ficción, los dibujos animados, y también los videos juegos de aventura .

y si nos conectamos en el mundo de Maina nos vamos a encontrar con que ama la literatura, tiene mucha influencia sobre su trabajo. Adora bailar, andar a caballo y siente pasión por las montañas y por muchas otras cosas que no tienen nada que ver con el arte, o que tienen todo que ver.

Estas dos artistas serán las encargadas de inaugurar la sexta inauguración del año en Artis Galería . Presentando una serie de pinturas , dibujos y objetos que se encontrarán deslizados en cada espacio de la galeria .

Los dibujos y objetos están presentes en Artis

La artista Maina Cordero presentará dibujos sobre papel vegetal que están trabajados con lápices grasos, óleos y algunos además con hilos. También presenta una serie de vegetales realizados en cerámica, colocados en pequeños estantes sobre la pared, a excepción de un vegetal que cuelga del techo y otro de mayor tamaño. Pero la obra principal , de donde parte la muestra , es una silla realizada en madera reciclada que se concreta como una CONSTRUCCIÓN partiendo de una DECONSTRUCCIÓN de x cantidad de cajitas de madera que transportaron frutas secas hace años. “Pienso en las transformaciones de ese árbol, en las muertes, y construyo una silla para sentarse a llorar. La obra se llama “Llorar el árbol”.

Pinturas explorando el paisaje como espacio escénico

Mientras que la artista Noelia Farías presentará cuatro pinturas de formato mediano sobre tela, y algunas pequeñas, utilizando la técnica del óleo . Utiliza el óleo para trabajar porque se siente identificada con la libertad que hay a la hora de trabajar y con todo lo que provenga de la imaginación.

“Son pinturas donde exploro el paisaje como espacio escénico, experimentando lo atmosférico, y habitando esos espacios por mis personajes”.

En esta serie de pinturas trabajó desde cierta oscuridad pictórica, permitiéndose indagar el misterio que le atrae a la hora de narrar. Una muestra que no lleva título, simplemente sus nombres. La inspiración de Noelia en esta exposición no fue en algo particular, “cuando trabajo en mis pinturas la inspiración está en lo cotidiano, en mis recuerdos, deseos, en lo que veo, y en todo lo que me fascina y obsesiona”.

Y cuando hablamos de la existencia de expectativas ante una nueva muestra , Noelia nos dice que: “Las mejores, porque me gusta mucho la galería, y estoy muy conforme con el trabajo que voy a presentar, y además porque va ser una buena experiencia exponer junto con Maina.”

Mientras que Maina nos expresa: “Compartir mi obra con un nuevo público. A veces el circuito de Córdoba me abre, en cambio considero que Artis es un espacio que se renueva, que crece constantemente, y eso es algo que me atrae, que dá ganas de trabajar”.

(*) Comunicación & Prensa en Artis

Durante el Montaje de Exposición de Maina Cordero y Noelia Farías

“Llorar el árbol”

El hacha voltea al árbol y él cae sobre la tierra, muerto. Ya no hay más agua de lluvia que lo regará. Sentada en la silla, las lágrimas llueven sobre él otra vez. Y posada toda mi existencia en ese tronco lo único que desea es volar. Fluir con la transmutación es tan obediente que asusta, como cuando jugando te agarras de la mano de alguien corriendo y se te ocurre cerrar los ojos. El tiempo está dibujado con velocidades y quietudes, fluye siempre. Nunca al compás de un reloj sino de una mezcla de colores. Un tiempo nada matemático ni rítmico, es una velocidad discontinua del pesar y del pasar. Maina Cordero ve los túneles del aire que retroceden el tiempo, que no es lineal; mira por los poros de nuestra piel y nos condena a emocionarnos nada más que por lo bellos que somos, en este gran movimiento a veces tormentoso. Afirmo que somos animales. Afirmo que somos plantas. Manos en la cara, los dedos de los pies aferrados a la tierra, cabellos enredados, la espalda como una liana sostenida del aire, mostrando los dientes que gruñen, igual que sonríen. Alaridos desde abajo y raíces pesadas. La vida se siente. Y eso, como un clavo - la dulce certeza - es el ancla que nos permite navegar la transformación, como una hoja flota en la tormenta.

Karina Maschio

El Eden Flora y Fauna

Octubre 2009

“ Hablando de Ángeles”

Si me pongo a divagar sobre las obras de Noelia Farías, lo primero que se me ocurre, es que me sumergen en un mundo de Ángeles niños, solitarios, puros, que transmiten su vuelo poético a toda la obra, a toda esa fantasía que se desparrama por una ventana que nos despega de nuestra cotidianeidad superficial, y nos acerca a ese lugar extraño de la existencia en que nos encontramos con nuestro yo más íntimo, el del Ángel puro y bueno que, unos más, otros menos, todos llevamos dentro.

Y no estaría mal que dejáramos que un ala de estos seres misteriosos nos rozara, para envolvernos en ese estado al que el arte verdadero nos traslada, y nos hace mas humanos, y menos banales, egoístas y brutales Entonces, ¡Bien por Noelia !...

Carlos Manuel Crespo

LAS ARTISTAS

. MAINA CORDERO .

Maina Cordero nace en Córdoba en 1971.Egresa de la Escuela Provincial de Bellas Artes Dr. José Figueroa Alcorta como Perito y Profesora Superior en Artes Plásticas. Recibe mención especial en Dibujo y Pintura.Actualmente enseña Color en dicha escuela. Integró el equipo de Restauración Artística de la Capilla del Paseo del Buen Pastor. Córdoba,Argentina. Realiza trabajos artísticos aplicados a la arquitectura
.NOELIA FARÍAS.

Noelia Farías Nace en Córdoba en 1978. Es Licenciatura y Profesorado en Pintura, Escuela de Artes, Universidad Nacional de Córdoba .

Maina en su Atelier

Noelia en su Atelier

Noelia Farías y el artista Carlos Crespo

DIEGO BASTOS

2009-09-13T21:00:00.001-07:00

- Del 18 de Septiembre al 23 de Octubre de 2009 -

En las pinturas y acuarelas de Diego Bastos podemos dilucidar una construcción romántica, un movimiento poético ; donde su universo figurativo nos trasladan a la reproducción creativa de un mundo de imágenes oníricamente real transformándolo y enriqueciéndolo de sensaciones diversas que se aproximan desde la Poesía, lo Etéreo, la Improvisación y el misterio.

El próximo viernes 18 de Septiembre , a partir de las 20.30 hs vamos a poder recorrer ese universo planteado por el artista con sus pinturas y acuarelas, siendo una nueva exposición que inaugura Artis Galería de Arte Contemporáneo.

. BIENVENIDO DIEGO BASTOS.

Hace unos cinco años, en las salas del Cabildo, ví por primera vez un cuadro de Diego Bastos. Inmediatamente, me atraparon la sencillez de las figuras, la desproporcionalidad de éstas con los objetos, y al mismo tiempo cargados de una apacible calma que en cierto modo parecían desconsiderar el paso del tiempo.

Hoy entiendo que apenas me atraparon, experimenté una fascinante tensión presente también en estas acuarelas.

Esta tensión consiste en que, justamente, lo que atrapa y fascina es ese aire de transparente libertad como de juego abierto.

La transparencia, una de las cualidades intrínsecas del agua, tiene su correlato en el proceso mismo de creación donde, se percibe no solo como resultado de una técnica eligida para pintar sino también como manifestación de un modo de vivir. Por ende, en vez de encubrir mediante la forma una pretension, volviéndose así un objeto fetichista, lo que narra revela algo más allá de la representación misma, algo más cercano a un proceso de trabajo .

Este proceso que toma el agua como materia prima, materia originaria, según Thales, de todo ser, engendra formas que a su vez son figuras y objetos reconocibles pero que no son previamente deliberados y que podrian también haber delatado otro tipo de seres u objetos.

Si uno formulara la pregunta por qué están ahí, habria que responder: porque pueden estar ahí. Y aunque irradian una gran calma, al mismo tiempo, por carecer de planificación, está presente en ellos el tenue riesgo de que todo quizas salga mal.

Como artista, tener la suficiente seguridad de asumir este riesgo es la condición de esta apertura que nosotros percibimos y que permite que veamos lo que puede ser contado ahí – o no.

Almut Schmidt

LA GRAN VELADA DE EXPOSICIÓN DE DIEGO BASTOS EN ARTIS

Maina Cordero- Noelia Faría, Diego Bastos y Gustavo Limperis

Alejandro Dávila, M. Eugenia Paradelo

Rubén Menas y Carlos Crespo

Noelia Faría y Diego Bastos

Arq. Pablo Martina y Diego Bastos

Palmieri y Sra

Entrevista de Natalia Elías (*)

Diego Bastos presenta Sustancia Gris en Artis Galería

"Me gusta definir mi obra, como una mezcla entre la imaginación y mi mundo interior"

Sustancia gris es el nombre de la Exposición de Diego Bastos, cuya exhibición es en Artis Galería. El título nos ayuda a comprender el planteo de una propuesta más climática, más pictórica, donde no hay una temática en particular. Una serie de obras compuestas de acuarelas sobre papel , y acrílico sobre tela ,donde la ausencia de color es visible pero si podemos percibir la presencia de una sustancia gris que recorre todas las obras .

Las acuarelas sobre papel y acrílicos sobre tela de Diego Bastos parecen a simple vista pequeños relatos de una luminiscencia radiante. Pero si la mirada es con más detenimiento, se revelan como universos en los que se interconectan perspectivas de varios puntos de vista, espacios distorsionados, naturalezas metafísicas, visiones de color y una luminosidad que parece peculiar y en realidad es mucho más: la esencia misma de su concepción de obra.

Observando desde la vereda a través de las ventanas de la galería, la serie de esta nueva muestra de Diego Bastos irradian un recorrido que te invita a entrar.

Y para seguir ese recorrido, y entender su obra hay que saber que al artista desde siempre le gustó el dibujo, las historietas, la ilustración fueron los primeros disparadores , motivo por el cual lo impulsó a comenzar su propio recorrido en la formación académica y después de haber cursado algunas materias prácticas y solo algunas teóricas, decidió abandonar, corría el año 2001. Pero recuerda que fue una buena época para el , encontró buenos docentes, sobre todo en pintura y dibujo.

Cuando habla de su obra en general , el artista afirma : “ Me gusta definir mi obra, como una mezcla entre la imaginación y mi mundo interior”.

Si bien, Diego Bastos no cree en la carrera artística, pero podemos destacar algunos pasos que le permitieron pensar su obra de otra forma. Como por ejemplo recordar su primera exposición individual en el subsuelo de la Casona Municipal, que aunque la piense ahora, fue un poco apresurada, pero le dio cierta seguridad en su elección de querer ser pintor.

En el año 2003 obtuvo la Beca del Fondo Nacional de las Artes, lo que le permitió residir nueve meses en Bs. As y trabajar sobre la técnica de la acuarela , bajo la supervisión de Guillermo Roux.

En ese tiempo conoció también a artistas y gente vinculada al arte. “Creo que algo cambió en mi trabajo luego de esta experiencia”

Un artista que abrió una bisagra entre Bs As y Córdoba ,sus obras fueron ganando espacios y circulando en un mercado mas fuerte con respecto al nuestro . “En Córdoba, hay gente que compra arte, pero no creo que forme un mercado. Se hacen muchos esfuerzos, artistas, galeristas, los museos, pero no hay una postura fuerte desde el estado, en educar, en garantizar presupuestos importantes, en pensar políticas para crear una cultura del coleccionismo” .

Para lograr el concepto de sus Muestras y obras , el artista a la hora de crear necesita trabajar el proceso espontáneo con disparadores diversos, que sin pensarlo se mezclan con su estado de ánimo, con un imaginario poético y así va apareciendo la imagen mas la devolución de lo que surge en la realización, son los aspectos que tiene en cuenta a la hora de trabajar.

“No me interesa tanto narrar, desde la anécdota solamente, sino también, desde lo climático, desde el misterio. Intentar narrar desde el color y la luz”.

El artista viene de mostrar en Bs. As, obras en las que el color tiene una presencia destacada, en cambio para Sustancia Gris que se exhibirá en Artis prefirió una serie más austera, hasta más fría, con menos elementos, pero con más misterio.

La obra de Bastos está siempre en proceso, reconociendo muchos cambios, sobre todo a nivel técnico. Pero ahora encuentra mas libertad, teniendo algunos detalles un poco mas claros, sobre todo, en lo narrativo. “Pero la obra conserva el mismo espíritu de pintura austera, simple”.

Hace tiempo que no muestra en Córdoba individualmente, y se generan expectativas con la quinta exposición del año en Artis . Por eso ,le interesa toda visión sobre su trabajo, necesita de ese diálogo, no pinta solo para el . “Espero poder sumergir algunos espectadores en el mundo que les propongo”.

La muestra se puede visitar durante septiembre y octubre en Artis Galería , Lima 909.

(*) Comunicación y Prensa en Artis

SOBRE EL ARTISTA

El artista Diego Martín Bastos nace en 1975 en Córdoba. En el año 1997 ingresa a la Licenciatura en Pintura , en la Universidad Nacional de Córdoba .A mediados 1999 asistió , junto a tres amigos, al taller de Carlos Crespo, con quien aprendió a mirar nuevas profundidades del arte.

En el año 2004, obtuvo la beca de perfeccionamiento que otorga el Fondo Nacional de las Artes y trabajó junto a Guillermo Roux, quien le allanó el camino en cuanto al oficio. En su academia conoció al artista holandés Pat Andrea, con quien aún mantiene charlas sobre su trabajo.

Por último, el artista afirma que su viaje por Barcelona, Paris, Madrid; le permitió tomar contacto personalmente con la historia del arte, y parte del “mundo” contemporáneo.Actualmente vive y trabaja en Córdoba , Argentina.

Muestras individuales (selección)

2009-Para Alejarse del suelo, Galería Masottatorres, Bs. As, Argentina
2008-Obra Reciente, Sala Proyecto, Galeria Estampa, Madrid, España
2007-Chapas, Galería Artis, Córdoba Argentina
2006-Pinturas, Galería Praxis Córdoba, Argentina
2005-Acuarelas 05, Galería Sara García Uriburu, Buenos Aires, Argentina
2000-Dibujos-Pinturas, Casona Municipal Córdoba, Argentina

Muestras colectivas (selección)

2009-Artistas de la galería, Galería Víctor Saavedra, Barcelona, España
2009-Feria ArteBA, Galería Masottatorres, Bs. As., Argentina
2008-Feria Artemultiplo, Gal. Sara Garcia Uriburu, Palais de Glace, Buenos Aires, Argentina
2008-Paños Menores 7, Crespo-Bastos, Fundación Mirabile, Cordoba, Argentina

SUS OBRAS

Lunáticos

CASAS

Pluleros

GERARDO OBERTO

2009-06-29T19:50:00.001-07:00

- Del 7 de Agosto al 4 de Septiembre de 2009-

El artista Gerardo Oberto tiene clara sus prioridades, aunque no le gusta hablar de influencias admite que la historia de su corta producción mucho tuvo que ver el tratamiento del espacio que hace Kuitca en sus telas primeras y, de forma recurrente, los fondos seriados del inefable Warhol.

Te invitamos a la inauguración de la cuarta Exposición del año, este Viernes 7 de Agosto a las 20 hs en Artis Galería

Gerardo Oberto
(los colores de la memoria)

Existe un sonido que se percibe en el absoluto silencio y en esa dimensión, dos figuras a modo de siluetas –ajenas a nuestra presencia- parecen existir. Al igual que una obra romántica, la pintura de Gerardo Oberto permite una interpretación incierta; se aleja de la representación y la narrativa, y posibilita la idea de una presencia.

Su repertorio iconográfico: construcciones urbanas, personas, semáforos, etc, abandonan su identidad concreta y cotidiana, son siluetas, son fantasmas, evocaciones… quisiéramos tocarlos, pero es imposible ¡ni siquiera tienen textura!
No están en el plano del cuadro, sino en la mirada interna de cada espectador.

Dice el artista: “quisiera que mi obra fuese leída como una constelación de signos, una metáfora de ausencias y de sombras que se acumulan de una manera residual en la imaginación de cada uno”.

Surge así el concepto de “conciencia”, en la relación del hombre y su entorno, y también la pintura como lenguaje, como técnica y proceso. En su desarrollo plástico, impecable siempre, nada está librado al azar, todo está programado: composición, relaciones cromáticas y diferentes referencias semánticas. …

Hay dos figuras, por detrás un espacio que parece infinito, verde, pero el verde de la duda, de la distancia. Algunos elementos ocupan un lugar en el cuadro, pero “otro” lugar, una letra, un resplandor y un color que quiebra el clima y provoca el interrogante… Hay colores en la pintura de Gerardo Oberto, son los colores de la memoria.

Dante Montich Junio-2009-

LA GRAN VELADA DE EXPOSICIÓN DE GERARDO OBERTO EN ARTIS

Rafael Ferraro y Gerardo Oberto

Magdalena Zoppi, Sebastian Gullon

Mario Grimberg, Ruben Menas, Juan Juares

Juan Pablo Baldaccini y su hija

Miguel Flores, Gustavo Limperis, Sebastia Amaya y Ernesto Berra

El Público disfrutando de la Exposición del Artista Gerardo Oberto

Gustavo Limperis, Miguel Flores

Daniel Capardi

ENTREVISTA DE NATALIA ELIAS (*)

“Pienso más, en lo que estoy produciendo ,que en mostrar”

Exhibirá una serie de acrílicos sobre tela de gran formato, donde el color, la intensidad y las imágenes urbanas te invitan a un breve recorrido ,a buscar interpretaciones en los diversos lenguajes que conforman el universo del artista Gerardo Oberto.

Del Cine a las Bellas Artes

Pensar que el artista Gerardo Oberto dejó su ciudad natal para venir a Córdoba y estudiar cine , pero las vueltas de la vida , el cambio de idea , gusto o simplemente el destino , lo llevó a estudiar lo que hoy es su vocación, las Bellas Artes. Es un artista muy jovén y su carrera artística fue tomando forma muy rapidamente. Luego de haber ganado varios concursos , llegaron las oportunidades a la exhibición y una de ellas fue la misma galería que hoy abre la cuarta exposición del año , Artis Galería.

- Háblame de tu obra, ¿ como la definirías ?

- En la actualidad estoy trabajando en una serie de pinturas que empezó en el 2005. En realidad el comienzo fue extraño, mientras cruzaba la ciudad y desde la ventanilla de un taxi observé una obra que era un híbrido entre “Green Burning Car I” de Warhol y “Mann und Frau den Mond betrachtend“, de Friedrich, pero en vez de las dos personas de Friedrich, estaban las dos personas de una fotografía que había tomado de niño en un paseo. Eran dos personas que caminaban sobre un paredón, a contraluz, y a partir de ahí comenzó la serie, en esa obra, en esa imagén, muy recurrente posteriormente en mi trabajo.

- Se puede decir un antes y después , obras que marcan un comienzo

- Si, son las obras llamadas “El balneario”. Durante un par de años busqué la manera de producir esa obra y en el 2005 empezó la serie y el conjunto de obras tienen de nexo “El balneario”. Desde allí empiezan a surgir nuevas obras.

Claves que conforman un estilo

Sus influencias a la hora de crear son diversas, y fundamentalmente se apropia de aquellos elementos que toma de por ahí, al momento de resolver problemas en el proceso de creación de una pintura, que es lo que está haciendo actualmente. La mayoría no tienen que ver con el mundo del arte pero si le resulta interesante los mapas , manuales , fotografías: fotos de familia, publicidades, fotos documentales, cosas que observa por tv, planos, cine. A veces también observa obras; preferentemente obras de artistas de los ‘90 en adelante o de los alemanes e ingleses de la segunda mitad del siglo XIX.

- Que significan en tu obra Warhol Y Kuitca

- La pregunta debe ser por una crítica que me hace la periodista Alicia Arteaga ,en dónde ella nombra estos dos referentes en mi obra. En realidad hablando de pintura argentina y también de Kuitca le comenté lo que me gustaba de su obra. Pero la verdad es que hasta el momento de él he tomado poco, al menos conscientemente. En cuanto a Warhol es importante en el comienzo, cuando pensé los fondos seriados y la ausencia del gesto. Principalmente sus obras de los '60.

-Sentís reflejada tu obra con algún artista de Córdoba , ¿tenés algún referente?

- Referentes en Córdoba no tengo. Si bien hay una tradición muy fuerte de paisaje, en la que me encuentro de alguna manera, pero esto no me ubica en un lugar preciso, el paisaje es un género amplio trabajado de mil maneras, con mil fines distintos y que en pintura ,aquí en Córdoba nos atraviesa a casi todos. Por ahí me acerco en alguna medida a la obra de Suárez por su relación con la fotografía o a la pintura de Pizarro de hace un par de años, esos paisajes urbanos, edificios y a la manera de aplicar el color. También puedo mencionar obras de Menas. Son casualidades, ahora encuentro algunos puntos en común con sus obras, pero recién ahora. Pero si puedo definir que mi obra es bastante diferente a la de los artistas de mi generación .

Abriendo la cuarta Exposición del año en Artis Galería

La mayor parte de las obras que presentará el próximo 7 de Agosto en Artis son acrílicos sobre tela de gran formato, una serie que pertenecen a este año y son obras que no han sido mostradas anteriormente. La temática es la misma que viene trabajando, esencialmente pictórica, tomando elementos urbanos, personas , imágenes , mucho color, un desafio a la mirada de los otros.

"Elegí un conjunto limitado de imágenes, de fotografías tomadas por mí, de lugares que funcionan como íconos ,también realicé un tratamiento especial del color. En mi obra el color funciona como color". Considera que la mezcla de color que hacía antes en una obra se logra ahora combinando varios colores y eso le gusta en cuanto al reultado.

- Cuál es tu búsqueda interna, emocional, estética a la hora de crear?

- Ese tipo de búsqueda interna, emocional, tiene que ver con el placer de mirar, de ser un gran consumidor de imágenes y todo tipo. Es por eso que también me interesa crear imágenes. En este momento produzco pintando, disfruto de la pintura, de ver pintura,hacer pintura y de combinar en ella mucho de lo que veo. Me interesa también lo que ven los demás y cómo lo ven. Mi búsqueda estética tiene que ver con eso. Elijo un tipo de formato y busco que mis pinturas se asocien a otras cosas. Y desde allí comienzo a producir. Pienso más en lo que estoy produciendo que en mostrar.

-¿Qué espera un artista ante una nueva exposición ?

- Lo principal es Compartir, que mi obra pueda ser observada , que la gente disfrute de toda esa carga emocional, estética, artística, que en definitiva tiene que ver con el proceso de creación .

- Entonces te interesa demasiado la mirada de los otros

-Sí, por supuesto, es un reto mas que tenemos para reflexionar sobre el trabajo que estamos exhibiendo , uno va aprendiendo al mismo tiempo , siempre es bueno la visión de los demás .

* Prensa y Comunicación de Artis

DURANTE EL MONTAJE DE EXPOSICIÓN DE GERARDO OBERTO

SOBRE EL ARTISTA

Vive y trabaja en Córdoba. Entre los premios recibidos se puede destacar el “Premio Estimulo a los Jóvenes Creadores de la Provincia de Córdoba” 2005, la Segunda Mención Especial del Jurado del “27 Salón y Premio Ciudad de Córdoba” 2005. Fue seleccionado entre otros salones, al “Salón Nacional de Artes Visuales 2008” 97º Edición, Bs As / “Premio de pintura Banco de Córdoba” Cba, 2008 / Premio Salón Nacional de Pintura, Fundación Banco de la Nación Argentina” Bs As, 2006.

Exposiciones Individuales y Colectivas.

“Usina Poética” Centro de Arte Contemporáneo, Cba. 2008 / “Mirada de Artista” C. C. Borges, Bs As. 2008 / Galería Piso Uno, La plata. 2008 / Museo E. Caraffa, Cba. 2007 / “15x15” PRAXIS Arte Internacional, Bs As. 2007 / Galería Artis, Córdoba. 2007- 2006

SUS OBRAS

EN SU ATELIER

MARCELO TORRETTA

2009-06-11T10:54:00.000-07:00

El artista presenta dos muestras en paralelo y en diferentes espacios de nuestra ciudad, en Artis Galería nos invita a la búsqueda de crear universos con ínfimos elementos, un juego entre la fantasía de lo real , con lo irreal .

Sus obras proponen una realidad alternativa a través de sus figuras, colores, dimensiones de espacios y tiempo. Intensidad desmesurada en cada una de ellas. La Exposición se inauguró el pasado viernes 19 de Junio y permanecerá hasta el 23 de Julio en Artis Galería .

- Del 19 de Junio al 23 de Julio-

La vida posible
Pinturas de Marcelo Torretta

¿Quiénes son esos hombrecitos que nos miran, que vienen de lejos, y se paran contra un color para empezar quizás a contar sus historias? Su silencio, sin embargo, asume el aspecto siniestro de los maniquíes o de viejos muñecos infantiles.

De pronto, en las caras de algunos, surge una nariz roja, como si un cilindro de madera se alzara prominente o hubiese sido clavado allí. Algunos viven en la nieve, y tras ellos la ventisca acaba de calmarse, pero todavía la escena es helada, llevan puestos gorros, abrigos, disfraces polares.

Por momentos, los acompañan construcciones, casas de juguete u ominosos edificios públicos, grises, como bloques geométricos de puertas y ventanas clausuradas que sólo contrastan con el gesto detenido, con el movimiento latente de los personajes.

Y ahora que los menciono, frase tras frase, en plural, como si fuesen una comunidad, una compañía de muñecos en marcha hacia países nevados, advierto que todos están solos, cada cual con su objeto o su zócalo de maqueta edilicia: uno solo con su martillo, otro a solas con su palita, otro con su escobillón.

Aquel, grotesco, desesperado, con unas patas de rana pero sin agua a la vista, etc. Representan acaso la soledad muda de cualquiera, que se refleja hasta el infinito en el espejo coloreado de la pintura. Vestidos con el traje de la vida diaria, cada uno ha tomado la más fuerte de las drogas: ser precisamente, irremediablemente el que se es.

Por eso, cuando ocasionalmente nos muestran sus cuerpos rosados de muñecos, adversarios de la obscenidad anatómica y su fascinación fetichista por la piel humana, se desesperan de la propia mirada y tapan sus cabezas con baldes, bolsas, pañuelos.

No obstante, no podría decirse que estos personajes y su correlato objetivo, las maquetas de casas a dos aguas donde podrían vivir si tan sólo alguien les abriese las puertas, si no fuesen tan desproporcionadas, sean imágenes de la tristeza, de una pasividad sin salida.

Cuando el color brilla alrededor, puede esbozarse un rojo en los labios como si sonrieran. Quizás agradecen la cercanía del final, quizás han tenido una vida en sus casitas, entre la nieve y los colores vivos al sol, cerca de unos cipreses que danzan con líneas verticales verde oscuras allá atrás, y eso les fue suficiente.

“¿Cómo quieres que te sorprenda la muerte?”, preguntaba un adagio antiguo. Y la respuesta era: “Al labrador, labrando, al marinero, navegando.” ¿No hay una gracia, más allá de la melancolía de estos diminutos pero grandes solitarios, que heroicamente enfrentan las coloraciones del momento, y que sería la afirmación de una actividad, un arte? Si alguno es sorprendido con su martillo, su máscara, su instrumento en las manos, aún puede sonreír porque así lo quiso.

Y estos pequeños cuadros de Torretta son en ese sentido un gran elogio de la pintura. En el cuidado, en la precisión y la búsqueda de toda la serie, el pintor responde tácitamente, sin sorprenderse, que el final de la vida lo encontrará: pintando. Silvio Mattoni Córdoba, 15 de abril de 2009

LA GRAN VELADA DE EXPOSICIÓN DE MARCELO TORRETTA EN ARTIS

La fachada de Artis
inaugurando la tercera Exposición del año

BIENVENIDOS

Hall Principal

Hall Principal

Marcelo Torretta

Rafael Ferraro, Arq. Orlando Ferraro,Daniel Capardi,Almut Schmidt,Diego Bastos,Marcelo Torretta

Gustavo Limperis y juan Longhini

Rafael Ferraro y Daniel Capardi

Raúl Santana , Pablo Scheinbengraf

DOS MUESTRAS, DOS ESPACIOS ,UN ARTISTA

MARCELO TORRETTA
EN EL MUSEO EMILIO CARAFFA- MEC

El pasado jueves 18 de Junio en el Museo Emilio Caraffa-MEC celebró su tercera inauguración del año. En esta oportunidad se presentaron cinco muestras que reúnen a artistas cordobeses y de Buenos Aires en diferentes espresiones artísticas.

ARMAR Y DESARMAR (Pintura)

Sala 5,6,7 del MEC

La obra de Marcelo Torretta es una apuesta por un arte figurativo , que posee un sentido existencialista, a la vez elegancia y delicadeza. Ha hecho emerger una pintura cuyo espacio es teatral, simulado. Son 29 obras que se podrán disfrutar en el Museo Emilio Caraffa.

CICLO DE CONVERSACIONES CON LOS ARTISTAS
MUSEO EMILIO CARAFFA

Raúl Santana y Marcelo Torretta

Raúl Santana,Marcelo Torretta y Silvio Mottoni

Artemio Rodriguez y Rafael Ferraro

DURANTE EL MONTAJE DE EXPOSICION DE MARCELO TORRETTA

ENTREVISTA DE NATALIA ELÍAS (*)

Se puede decir que Marcelo Torreta tuvo una formación autodidacta. Su paso por la Escuela de Arte fue fugaz ,ya que no respondía a sus intereses. También se formó en los años que pasó en Europa. Las obras es una forma de diálogo con el mismo, allí está su pensamiento y sentimiento, su capacidad e incapacidad, como limitaciones y tono.

“Al ver tanto arte me di cuenta de lo que no quería hacer. Y los artistas que empezaba a conocer me ayudaron de manera mucho más rápida a vislumbrar un mundo”, dice el artista .

- ¿Te gustaría destacar algún punto en tu carrera artística?

- Para mí fue importante la muestra “Identidad numerada” que hice en la Fundación Federico Klemm. Porque fue un punto de inflexión en la identidad de estas criaturas, lo que me liberó para pensar con mayor tranquilidad en términos puramente pictóricos. Sobre lo premios, no hacen más que ayudar en el desarrollo que uno se ha planteado

- ¿Quién definió mejor tu obra y a vos mismo? ¿y en qué términos fue?

- Una respuesta de Aristo Chirusi, un gran referente que tuve en Italia, cuando le pregunté “¿Qué significa ser un artista contemporáneo?”. Me respondió de una forma simple pero muy abarcadora: “Si uno está atento y vive con intensidad su propia época, eso significa ser contemporáneo.”

- Cuál es tu objetivo como artista a futuro?

- Nunca pienso demasiado en eso. La única forma de construir el futuro es trabajando en la búsqueda de una verdad personal.

ABRIENDO EL MES DEJUNIO EN ARTIS

El artista pretende que su obra hable por sí misma. En todo caso lo único que puede hacer es brindar algunas pistas sobre ella.

“Me parece interesante hacer en este momento una muestra en Córdoba, ya que, si bien soy cordobés, en términos culturales no pertenezco a esta ciudad”.

Su vuelta a Córdoba será presentando dos muestras en paralelo y en espacios diferentes como el Museo Emilio Caraffa y en Artis Galería.

- ¿ Como te sentís ante esto ?

- Me gusta plantear dos muestras que dialoguen entre ellas desde espacios bien diferentes. Me interesa pensar que hay un espacio virtual en la distancia que separa al Caraffa de Artis. Y por otro lado, está el público que hace su propia lectura de esta situación.

- ¿Qué te produce tu obra, y que te interesa transmitirle al publico? - Muchas veces mi obra me produce angustia, otras, las menos, placer, y cuando termino un cuadro me produce cierta liberación, como si me sacara un abrigo. No sé si me interesa transmitirle algo al público. Lo que me interesa en un intercambio, que fluyan ideas y sentimientos, compartir aciertos y desaciertos. - ¿Qué diálogo establecés con tus obras a partir de las imágenes, el color y la intensidad?

- En relación a la experiencia que tuve en mi infancia como boxeador amateur, te puedo decir que hasta que no ves a tu contrincante en el suelo, la pelea no está ganada.

Fueron cinco palabras que el artista eligió para definir su obra Silencio. Vacío. Precariedad. Desmesura. Saudade.

(*) Prensa y Comunicación de ARTIS

SOBRE EL ARTISTA

Marcelo Torretta nace en Morteros , Provincia de Córdoba, el 9 de noviembre de 1962. Estudia dibujo en Taller Libre de Artes Plásticas Figueroa Alcorta de Córdoba. Actualmente reside y trabaja en Buenos Aires.

Muestras Individuales

2007 Pinturas, Klaus Steinmetz Arte Contemporáneo, San José de Costa Rica-Costa Rica-

2006 “Paradiso”, Pinturas, Fundación Mundo Nuevo, Buenos Aires

2002 “Torretta, Pinturas”, Fundación Federico J. Klemm, Buenos Aires

2001 Marcelo Torretta, Pinturas”, galería Martorelli-Gasser, Córdoba

1999 Marcelo Torretta, Pinturas”, Museo Genaro Pérez, Córdoba. Marcelo Torretta, Pinturas”, Museo Eduardo Sívori,Buenos Aires. “La Identidad Numerada” Fundación Federico J. Klemm, Buenos Aires

Muestras Colectivas

2006-2005-2004 Summer Art Fair London, Alexandra Phillips Fine Arts.

2003,Invitado “Premios Fundación Trabuco” Centro Cultural Borges,Buenos Aires.

2002 Feria ARCO, Madrid, Galería Estampa. 2001 Premios Fundación Banco Ciudad, Buenos Aires 2000 Premios Colección Constantini, Museo Nacional de Bellas Artes,Buenos Aires. Espacios y visiones del nuevo arte Argentino-Bianchedi-Schuartz-Torretta-Vidal-Wendel,Galería Sur, Punta del este, Uruguay.

1999, “Pintura emergente de América Latina y el Caribe”, París. VIII Edición ArteBA, Galería Fundación Federico J. Klemm, Buenos Aires.

1998 Seleccionado por el Fondo Nacional de las Artes para el Premio a la Creatividad Artística en Artes Visuales año 1998.Premios Universidad de Palermo, Museo Nacional de Bellas Artes,Buenos Aires. VI Bienal Internacional de Pintura de Cuenca, Ecuador.

1997 Premios Colección Constantini, Museo Nacional de Bellas Artes,Buenos Aires. Bienal de Pintura Unilever –E.W.Hope, Centro Cultural Borges, Buenos Aires. Premio Joven Pintura, Fundación Amalia Lacroze de Fortabat, Museo Nacional de Bellas Artes,Buenos Aires. “15 Críticos, 15 Pintores”, Galería Praxis,Buenos Aires. Premios Novartis de Pintura, Museo Nacional de Bellas Artes,Buenos Aires.

Un artista premiado

2007, Segundo Premio Pintura”Certamen de Pintura Ciudad de Tudela”-España-

2005, Primer Premio Pintura, “Premio Argentino de Artes Visuales Fundación OSDE”,Bs.As, “Premios Fundación Delloite”,Mención Especial, Buenos Aires.

2002,Primer Premio,“Certamen Iberoamericano de Pintura”,Fundación Aerolíneas Argentinas. Primer Premio de Pintura, Salón Nacional de Artes Plásticas, Buenos Aires.

2001, Premio Ministerio de Educación,Salón Nacional de Santa Fé. Argentina.

1999, Premio Subsidio a la Creación Artística Fundación Antorchas ,Buenos Aires.

1998, Primer Premio, Premio Fundación Klemm de Pintura.Argentina .Segundo Premio, XLII Salón de Artes Plásticas Manuel Belgrano, Pintura, Premio del Fondo Nacional de las Artes LXXV, Salón Nacional de Santa Fé. Segundo Premio,Premio de Pintura Universidad del Salvador. Segundo Premio, Salón Nacional de Pintura, Segundo Premio,LXXXVII Salón Nacional de Artes Plásticas,Buenos Aires.

1997, Segunda Mención especial Medalla de Oro, Premio de Pintura Universidad del Salvador.Mención en Pintura,salón Manuel Belgrano. XVI Salón Nacional de Pintura Fundación Pro Arte Córdoba,Gran Premio Arcor.

1988,Mención Especial en Dibujo, Salñon para Artistas Extranjeros de Monza,Italia

SUS OBRAS

JUAN MARTIN JUARES

2009-05-16T14:11:00.000-07:00

Un artista que está marcado por el trazo del dibujo, las acuarelas, el collage , las instalaciones e intervenciones, el arte en vivo. Transgresión en las formas, figuras, colores y en el discurso de cada obra. Verdaderos signos de expresión que se encontrarán a partir del viernes 22 de Mayo en Artis

Galería. Los esperamos

- Del 22 de Mayo al 12 de Junio -

DE JUAN MARTIN JUARES

Revolución de poetas!

Nuestras armas solo manos y pensamientos,

manifestar la conciencia de unión al universo.

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Concentrarse en el centro de uno mismo para expandirse.

Unión vertical: yo – espíritu – alma – universo.

¿De que sirve el arte? es puro descubrimiento, cerrando los ojos podemos entender algo más. Escuchando una canción pienso poesía, no puedo escribir ni dibujar nada, solo vibra en mí. Todo eso acumulándose en algún momento saldrá y se expandirá a otros centros.

¡Adoro a los poetas! me emociono con la sensibilidad de otros. Si me concentro en un punto fijo comienzan a formarse hermosos puntos brillantes de movimiento constante, si me concentro más comienzan a aparecer ideas que se transforman en imágenes sobre la hoja, es un momento único de plenitud, quisiera compartir con otros ¡todo en realidad es tan simple!

LA GRAN VELADA DE EXPOSICION DE JUAN MARTIN JUARES

Gustavo Limperis,Juan Martin Juares y Natalia Elías

Gustavo Limperis, Ernesto Berra y Juan Martin Juares

Juan PabloBarraco y Juan Martin Juares

Natalia Elías y el artista Ramiro Vázquez

El público observando las obras de Juares

ASI QUEDO , LA INTERVENCION DE JUAN MARTIN JUARES

DURANTE EL MONTAJE DE LA EXPOSICIÓN DE JUAN MARTIN JUARES

ENTREVISTA POR NATALIA ELÍAS (*)

"Considero que la verdadera obra de arte trasciende todo, es más que cualquier circuito o mercado específico, es universal como el Guernica de Picasso, civilización occidental y cristiana de León Ferrari, La fuente de Duchamp"

EL CAMINO SE HACE AL ANDAR

Tiene 10 años de formación académica, hizo 4 en la Spilimbergo y 6 años en la Universidad Nacional de Córdoba y cuando estaba terminando la Universidad decidió hacer todo lo contrario de lo que le enseñaron .

“La formación académica es la formación , te dan las herramientas básicas y después en el medio tenés que salir a investigar”.

En ese momento se dio cuenta que estaba bien lo académico, que había aprendido muchas cosas en 10 años pero tenia que darle una vuelta.

“como juego creativo voy a comenzar a hacer todo lo contrario, a mi me dijeron que tenia que hacer un sombreado, un claro oscuro, tenia que trabajar con perspectiva, etc , tenia que hacer lo contrario como un juego, laburar con líneas sueltas, con manchas, texturas, además de las formas, cosas que iban en contra de los principios de lo que me habían enseñado”

En ese momento pensó de su obra y de que tenía que hacerse cargo, entonces estaba planteada para que el público no entre desde lo estético sino que entre desde el impacto visual, pero no el impacto publicitario como se entendería dentro de la publicidad sino como que esto no encaja, le interesaba mucho ese concepto. Por eso pegar el dibujito en la pared, hacer series como dibujos infantiles o cosas que para un ojo no habituado del arte contemporáneo no podía estar en un museo, en una galería o en un centro cultural, ese era el juego que le interesaba hacer. Y así comenzó en los últimos años de formación a experimentar en la realización de exposiciones, porque se había dado cuenta de que había que empezar a hacer cosas.

Y ASÍ NACE EL PROYECTO DE AUTOGESTIÓN , GRUPO OO

En los últimos años de la facultada es cuando empezó a encaminarse el proyecto grupo oo. “ Es ahí donde nos dimos cuenta de que nadie nos iba a llamar para hacer algo, si no nos movíamos nosotros a través de la autogestión” Comenzaron a trabajar en grupo apoyándose mucho entre los artistas que conformaron Grupo 00 y a fortalecer en la practica el concepto de la autogestión, entonces era valido cualquier espacio, “si nos llamaban de un museo para exponer , buenísimo, pero como éramos muy jóvenes y no nos llamaba nadie para exponer , teníamos que inventar los espacios y ahí empezaron a surgir ideas como , desarrollar exposiciones en departamentos . Estamos hablando de años ‘99 – 2000, tomar departamentos y hacer exposiciones bajo el concepto de autogestión y auto legitimación” ,dos conceptos claves en Grupo oo . En Córdoba se estaba trabajando bajo el mismo concepto como por ejemplo, Casa 13 , Cielo Teórico, mientras que en Bs As se manifestaba en en Bs As con Belleza y Felicidad, en Tucumán con El Ingenio y había varios espacios que estaban movilizados bajo este concepto. Pero se venía la crisis de 2001 y no tenían espacios, las instituciones no funcionaban , que hacemos fue la pregunta de todos, o no pintaban mas o hacían muestras en donde se podía, departamentos ,bares. Recuerda el artista: “en ese momento había otro grupo que se llamaba Cero barrado que también bajo el mismo concepto de autolegitimación hacia exposiciones en mesas de bares, era un grupo de artistas que iban interviniendo las mesas de los bares y la verdad que tuvieron un éxito bárbaro”

Esa era la idea del momento y gracias a esas acciones surgió un interés de algunas instituciones en financiar , apoyar ese tipo de proyectos , como Antorchas , Trama , el Malba, Proa, la galería como Braga Menéndez que toma muchos de esos artitas de la movida Belleza y Felicidad y que venían del Rojas , se comienza a vislumbrar un apoyo mas oficial y la Revista Ramona asienta aún mas (en el 2000- 2001) de manera mas oficial el apoyo a estas manifestaciones.

FUERTE PRESENCIA EN BUENOS AIRES

En realidad, fue la suerte, como dice el artista y así es como comienza a recordar:

“No es que llego a Bs As a golpear puertas, sino como estudiante , estaba en 4º año de la Universidad, todavía sin recibirme y estaba experimentando mucho , tomando la decisión de desaprender lo aprendido. y se hace una feria de arte en Córdoba a fines de 2000 y ese año también da la casualidad que se convoca a galerías emergentes , en la cual estaba Braga Menéndez , Belleza y Felicidad, Sonoridad Amarilla entre otras , algunas trascendieron y otras no tanto y mi participación fue desde el stand de la facultad, tenía “unas obritas” que había llevado, las ve Florencia Braga Menéndez , se enamora de las obras y me quiere conocer”

Y finalmente lo conoce al estudiante de arte de aquella época, proponiéndole llevar obras para un proyecto de galería que estaba recién armando, corría fines del año 2000 pero con la velocidad con la que se trabajó , en el 2002 estaba ya instalado el sello Braga Menéndez.

Juan Martín Juáres tenia tan solo 23 años cuando comienza a trabajar para la reconocida y prestigiosa galería porteña.

“Uno a los 23 años no está asentado del todo , aprendes mucho de golpe, aprendes a manejarte en el medio de la mejor manera , te presentan gente importante del medio, estás continuamente “aprendiendo” y eso es bueno , en ese sentido lo aprovecho mucho , trato de preguntar, de interactuar que esa es una manera de seguir profesionalizándose”

Su vida profesional suma nueve años entre Buenos Aires y Córdoba y su obra tiene una gran aceptación. Recuerda su primer ARTEBA: “me acuerdo que me llevó Florencia, vendí como 10 obras, entré en el mercado bárbaro, con buenas críticas, estaba bien posicionada la obra y acá en Córdoba no pasaba nada con mis obras,no se me presentaban lugares para exhibir”

DESPUÉS DE TRES AÑOS, MUESTRA SU OBRA EN ARTIS

“La ultima vez que expuse en Córdoba fue en el año 2006 en Villa Allende y la verdad que ya tenía ganas de volver a mostrar mis obras, la propuesta de Artis me interesó mucho por la libertad de abrirme la posibilidad de experimentación”

Al artista no le interesa la obra colgada y nada mas, su juego pasa mas por la instalación, la intervención . El concepto de la segunda exposición será tomar el espacio como una gran obra de arte , concepto que viene trabajando en cuanto a instalaciones. También le interesa jugar con los espacios públicos y privados porque la obra se puede presentar desde diferentes formas,colores tecnicas,texturas.En este caso será intervenir un lugar, que es una galería que forma parte de un circuito y eso le interesa como concepto.

El juego que propone el artista tiene que ver con la ruptura, porque considera a la obra como alguien que puede desestabilizar, romper, transgredir, estos diferentes estados lo divierte.

Un artista que utiliza una diversidad de técnicas a la hora de crear su obra una idea, un concepto .En en su caso utiliza acuarela y no óleos, todo eso tiene una explicación de reflexión , utiliza materiales reciclados y no lienzos. Son decisiones que fue tomando y que tiene que ver con su postura ideológica o política. Particularmente trabaja con cero presupuesto y formato pequeño fundamentalmente, porque se siento mas cómodo y le da una libertad creativa mucho mayor.

Fueron como decisiones , al artista le hubiese gustado hacer una diversidad de cosas, desde cine hasta video, animaciones, historietas, de chico le gustaba hacer tantas cosas relacionado a lo creativo que hasta músico quería ser , pero como no se puede con todo, decidió hablar de todo esos gustos y plasmarlo a partir del formato chico, con poco recurso y desde el dibujo.

“El arte es un concepto tan complejo, que no lo podés definir con una palabra , podemos hablar de la función , para que sirve el arte. En definitiva, utilizando distintos recursos , estrategias, querés llegar al espectador porque estas pensando en cierto modo de que alguien lo va a ver . Pero eso también es un ingrediente mas , no es el fin. La única definición que puedo dar, que a mi me sirve, la función que tiene en lo social es acercarme o conectarme con algo que no lo puedo ver, es un conocimiento que hay y que vos cuando estas pintando tenés accesos a eso”

LA PRESENCIA Y AUSENCIA DE LOS MEDIOS DE COMUNICACIÓN

Viene de la Pubicidad entonces entiende muy bien el tema y sabe como llegar o no a la prensa, "es como que estas trabajando con una imagén o una marca, en mi caso es Juan Juares , vendo eso y tiene unas características particular y mas allá de la obra , que es un momento único, especial donde vos te conectas con la obra.Ahora tenés el producto pero esto no se termina aquí, tenés que trabajar la gestión , donde mostrar las obras , decisión de espacios, mostrar para vender, porque a mi me interesa vender mis obras, que coleccionismo te importa reunir y como posicionar esa marca en el mercado"

Con respecto al tratamiento de la prensa local en la disciplina dice que hay poca prensa especifica y lo que hay hacen lo que puede porque no es "vendible" la disciplina, según le decia una periodista especializada de un importante diario local , hay como distintos status dentro de las artes , primero está el espectáculo, después el cine , el teatro, la música y al ultimo la pintura - el artista se sonrie y agrega- "y es el pedido de los lectores, a la gente no le interesa la pintura,y como es un diario, tiene que vender, en conclusión en los diarios locales se ecuentra lo que la gente quiere leer" Por otro lado, "creo que no son muy conscientes los diarios , como por ejemplo, el caso de clarín con la revista Ñ, no se, si se facturará con el suplemnto ,pero le da un lugar al diario de importancia, capta a otros públicos y ese pensamiento en Córdoba no está instalado para nada. Todo tiene que ser redituable rápidamente".

Pero también reconoce que faltan espacios y que no le hecha la culpa a los medios ,y dice que los artistas tienen mucho de esa responsabilidad porque deberian escribir mas y asi ocupar esos espacios vacios que existen.

TRASCENDER COMO OBRA MAS ALLA DE LAS INSTITUCIONES

"Primero considero que la verdadera obra de arte trasciende todo, es más que cualquier circuito o mercado específico, es universal como el Guernica de Picasso, civilización occidental y cristiana de León Ferrari, La fuente de Duchamp. La obra tiene que ser trascendente, profundamente humana y revolucionaria"

Luego existen instituciones de arte que funcionan como “legitimadoras”: museos, galerías, crítica, coleccionismo, éstas fortalecen y destacan solo algunos discursos por sobre otros y esto es al menos injusto. Necesarias o no, existen y hay que conocerlas bien, ser conscientes del medio en que trabajamos y de sus mecanismos para poder aprovecharlos o cuestionarlos. Las vanguardias históricas luchan por desmitificar la función de las instituciones de legitimación y quieren llevar el arte a la gente común, introduciendo un nuevo concepto de objeto artístico que pone en tensión a todo el circuito del arte.

"Personalmente creo en la "autolegitimación", que parte del convencimiento de que la obra que estás haciendo es "buena" e invirtiendo los roles, el circuito artístico generalmente termina por reconocer esta actitud periférica y la termina asimilando"

LEGITIMACIÓN VS POSICIONAMIENTO EN EL MERCADO

"Es relativo a cuál sea el mercado y la estrategia del artista, es diferente si vendo mucho en el mercado de las pulgas o a coleccionstas interesados en arte contemporáneo, en este caso te da más prestigio pertenecer a colecciones y posiciona tu obra en el circuito artístico"

Depende de las estrategias e intereses de los artistas, Andy Warhol desarrolló su obra en base al mercado y fueron alucinantes, Marcel Duchamp también trabajo mucho sobre el mercado del arte posicionando en museos y galerías a un nuevos discursos de artistas modernos. Particularmente el artista se inclina hacia los espacios de "autolegitimación", porque le dan más espacios para la experimentación, luego si la propuesta es buena inevitablemente es absorvida por el circuito artístico, el punto central, para no caer en la trampa, sería no desarrollar una obra pensada para el mercado sino hacer una obra profunda, trascendente, importante y luego introducirla en un circuito o mercado más conveniente para la obra.

(*) Comunicación y Prensa de Artis

SOBRE EL ARTISTA

Juan Martín Juares, Córdoba, 1976. Vive y trabaja en Mendiolaza, Córdoba. Licenciado en Pintura U.N.C. y Dibujante Publicitario Escuela de Artes L. E. Spilimbergo. Ejerce la docencia en escuelas de nivel primario y medio. Ha desarrollado desde el año 2000 un intenso y dinámico labor de gestión y producción artística junto a Grup00. Desde el año 2001 trabaja como artista de la galería Braga Menéndez. En 2003 obtiene la beca “Encuentros de producción y análisis de obra” de Fundación Antorcha. En 2005 recibe el 1º Premio Dibujo “Estímulo Jóvenes Creadores Provincia de Córdoba”. En 2008 participa como curador en “Mirada de artista” en C.C. Borges, Bs. As. y “Usina poética” en C.A.C. Chateau Carreras, Cba.

Algunas Exposiciones individuales Galería Braga Menéndez, Bs. As. 2008 / “Contemporáneo”, C. C. Borges, Bs. As. 2006 / Galería Espaciocentro, Cba. 2004 y 2005 / Galerie Liesbeth Lips, Rótterdam, Holanda. 2002 / C.C. Alianza Francesa, Cba. 2001.

Algunas Exposiciones colectivas “Artists from Argentina”, Kentler gallery. N.Y. U.S.A 2008 / “Maestros y Discípulos”, Museo G. Pérez, Cba. 2008 / Real visuales, Cba. 2008 / “Buenos Aires Art ”, Eyestorm Galery, Londres. 2007 / “Jornadas sobre Libertad de Expresión”, U.N.C. Cba. 2007 / “Acuarelas”, U.B.P. Cba. 2007 / “Artistas Contemporáneos”. Museo E. Caraffa, Cba. 2007. / “Nuestros Dibujos”, Macro, Rosario. 2006 / “Argentina Pinta Bien”, C. C. Recoleta, Bs. As. 2006 / “Incorporaciones recientes”. Macro, Rosario. 2005 / “B00M” grup00 C.C. España – Córdoba, Cba. 2004 / “Arte de Córdoba” Museo E. Caraffa, Cba. 2003 / “Panorama I”, C.A.C. Chateau, Cba. 2003 / Galería Braga Menéndez Shuster, Bs. As. 2002 / “Grup00”, C. C. Casona Municipal, Cba. 2001 / “Grup00”. Galería de Arte U. N. C. Cba. 2000.

Presencia en los Museos

En el Museo E. Caraffa, Córdoba, Castagnino-Macro, Rosario. Importantes colecciones privadas de Argentina, Colombia, España, USA, Inglaterra, Grecia.

SUS OBRAS

EN SU ATELIER

PABLO SCHEINBENGRAF

2009-04-28T19:52:00.000-07:00

El artista inauguró el año de ARTIS con la Exposición "Lo Que Quiero", el pasado viernes 24 de Abril , una invitación a realizar un recorrido a mundos desconocidos que estallan entre el color, la armonía, lo sutil y la fuerza que emana de sus obras, un recorrido entre el tiempo y el espacio sin límites, gritos de libertad para imaginar , pensar y sentir libremente.

- Del 24 de Abril al 15 de Mayo de 2009-

La Gran velada de "Lo que Quiero"

Así quedó inaugurada la primera Exposición del año en ARTIS, con una gran aceptación por parte del público a la primera propuesta, "Lo que Quiero"

El público disfrutando de "Lo que Quiero"

El artista, Carlos Crespo y la Directora del Goethe, Almut Schmidt

El artista ,Juan Martín Juáres, próximo anfitrión de Artis

Los artistas, Rubén Menas y Tulio Romano

Los artistas, Ramiro Vázquez y Lucas Di Pascuale

Así quedó , "Lo que Quiero"

Inauguramos el año 2009 y con nueva fachada

Hall Principal de Artis

Interior de Artis

Durante el Montaje de "Lo que Quiero"

Comenzando a ubicar las obras

Pablo Scheinbengraf y Gustavo Limperis

Primera aproximación a la invitación

Entrevista por Natalia Elías (*)

“El color implica un alto grado de sensibilidad y emoción ,podría decir que el color expresa mi ser en su totalidad “

- Asi comienza a contarnos sobre "Lo que quiero"

- LO QUE QUIERO, será una muestra de gouche con la técnica del gouche sobre papel ,el gouche es un material parecido a la tempera y se aplica sobre papel y se diferencia de la acuarela porque la acuarela trabaja con la luz que genera el blanco brillante del papel , en cambio el gouche, el color esta dado por la misma materia, y se adapta a trabajos mas espontáneos donde hay contrastes fuertes de color y donde trata de expresar de alguna m anera un sentimiento , es menos racional que la acuarela, si bien son materiales similares pero la acuarela tiene menos carga y se hace mas transparente.

- ¿ La técnica influye en la creación de tus obras ?

- En realidad uno termina eligiendo una técnica como el gouche porque está relacionado el concepto del trabajo de la propia obra, el tipo de pintura que realiza se podría enmarcar dentro de una pintura de acción , donde uno a través de la acción de la pintura puede expresar un estado de animo. En términos mas precisos podría decirse que el cuadro no tiene un boceto previo y que en algún momento uno expresa lo que no siente , se d eja pintar y aparece lo que vendría a ser el resultado de esa acción, no se llega a un cuadro de este tipo con un alto grado de especulación pictórica. Puede haber, pero nada es absoluto y en este tipo de pintura aparece la casualidad, la falta de especulación en la acción, en la medida de lo posible uno lo que trata de que no haya eso, que sale naturalmente , uno trata constantemente de buscar referencia de un color en otro y aplicar otro color en base a lo que puso. Eso es educativo, después uno trata que sea mas espontáneo y que esa especulación vaya quedando de lado.

- ¿Y que importancia tienen los colores en tus pinturas?

- El color es básicamente el sentimiento, el color está sentido, como no es una pintura dominada por el dibujo, no esta dominada por la racionalidad. El dibujo expresa mucha racionalidad en la pintura o en cualquier imagen, el color para mi, implica un alto grado de sensibilidad y emoció n , podría decir que el color expresa mi ser en su totalidad. El color termina expresando mi ser interno de una manera holística , podría decir que es una pintura filosófica cromática en acción, porque implica lo que siento y soy , no lo que estoy pensando.

-¿y que cosas te movilizan, inspiran para crear?

- Lo que mas me moviliza es el contacto con la naturaleza, es lo que visualmente mas me impacta para trabajar los colores . Después no necesito mucho mas para expresar lo que estoy sintiendo , todo lo otro que me impacta en mi estado de ánimo para poder expresar no lo puedo razonar pero si me doy cuenta que todos los estados de ánimos suelo utilizar como un modo de entrar en la acción, en la pintura, quizás puedo estar triste , empezar un cuadro y puede terminar siendo muy alegre. Siempre la emoción moviliza a la acción, esa es como una teoría universal,entonces cuando vos te apropias de una emoción cualquiera sea, te moviliza a una acción determinada, no significa que en medio de la acción tus emociones , sentimientos cambien o tu estado interior cambie pero ya la acción empezó, entonces el cuadro puede terminar de la forma opuesta a la que empezó a nivel emocional. En ese sentido el ser o la existencia es un misterio.

- Porque elegiste la corriente artística de la abstracción para expresarte

- Hace mas de 11 años que trabajo esta corriente y comencé en la abstracción porque me atraía esa cuestión de agregarle algún elemento figurativo a la abstracción que en ese momento aparecía como fondo y lo que hacia la figura era trabar la acción porque una vez que uno comienza una figura ya sabe cual es el recorrido posterior.Entonces cuando vi que la figura cortaba el fluir de la acción , la saqué del accionar de mi pintura. Ahora, porque llego a eso, influye mi filosofía de vida que tiene que ver con la idea presentista de vivir, hacer que el presente sea el momento de la vida.

- Te interesa la lectura que reliaza el público de tus obras

- A mi me interesa mucho que alguien pueda disfrutar , ser feliz, pensar, reflexionar a partir de la pintura que realizo. Lo que pasa que entender una pintura mía es un contrasentido, se bloq uea muy rápido el paso para la persona que quiere entender. La persona que naturalmente o por conocimiento logra pasarlo por su sensibilidad entonces puede decir ,si mi pintura tiene vida o no , mas allá de que guste o no. Mi pintura es una pintura que gusta por los colores, la sensibilidad del color, el que la pasa por dentro puede decir si mi pintura tiene vida o no.

- Y ahora que reflexión haces de tu propia obra

- A veces como suelo decirle a la gente que no entiende mucho de pintura como una forma de atajarse porque la verdad la gente se siente muy analfabeta de un sentimiento que no debería existir en general , como a la gente le gusta la música clásica y no dice , yo no entiendo nada, pero sin embargo la escucha. Con la pintura hay un problema, la gente cree que tiene que entenderla como si tuviera que entender la música clásica o una película y creo que es una falta de ejercicio que tiene que ver con eso solamente ,porque cuando ves una pintura abstracta y expresionista rápidamente lo que te indica al cuerpo es sentirla a la pintura.

- Ante una nueva Exposición , Como ves el mercado local

- Hay un mercado pero es muy pequeño , pero creo que a medida que pasa el tiempo , la gente se va dando cuenta y sobre todo la gente mas joven, que no es lo mismo tener una pintura original en la cas a. Y hay gente que va perdiendo el miedo y va empezando a comprar, particularmente he vendido mis pinturas en Córdoba. Creo que va a ir creciendo el mercado en Córdoba. - Por último , que expectativas hay ante LO QUE QUIERO - No tengo expectativas , y eso te libera, pero la ilusión de que le pueda llegar a alguien lo que vos haces siempre está. Pero de todas maneras estoy agradecido de lo que venga y muy contento por ser el que abre el año en ARTIS.

(*) Comunicación y Prensa de Artis

Estratos (*)

La pintura es una especie resultante de la producción de arte, en la medida que muestra que es posible transformar la materia subjetiva bruta, en una identidad sofisticada y enérgica. Hace tiempo que las pinturas de Pablo Scheibengraf no se exhiben en conjunto. Esta exposición trata sobre su producción más reciente, gouaches sobre papel, que al considerar su soporte podrían tratarse de obras de pequeño formato, pero no. Un texto que intenta hablar de pintura (aún si se remite al trabajo en la pintura), y en este caso de una pintura que no tiene tema, se refiere a las últimas producciones que de esta naturaleza existieron.

Es en la pintura (abstracta) donde se deja de considerar justificada la necesidad de la representación (figurativa) y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. El sentido de lo que “no se puede ver” o en ese quedarse fuera de la vista, o que “no encaja”, “no se acomoda”, o como “un extraño fuera de lugar” o también lo que pese a su llamativa presencia, “añade un tono de extraña ausencia”, son sus rasgos dominantes. Tomando en consideración el carácter singular, individual de cada obra, en relación a un contexto, -el muro, su soporte natural, o el espacio de la galería- abandonando toda iniciativa de relato, cada pieza parece atrapar a la otra, aun cuando se trata de constelaciones unitarias, para transformarla en otra mayor.

La pintura es un conjunto de elementos diferenciados e irreductibles, articulados e interdependientes, por lo cual esa constelación adopta una figura precisa, un contenido y una consistencia. Para esto los medios utilizados por Scheibengraf tienen su propia tecnología con su historia, hallazgos y limitaciones. En este caso la pintura reproduce la dinámica de una causalidad entre los aportes de la innovación pasada y la expresión buscada.

El gouache fue probablemente descubierto en el siglo XI, su opacidad estaba al servicio de ilustrar manuscritos. La elección del gouache es por tratarse de una acuarela opaca, que sin ser lo mismo, ambos procedimientos comparten un parecido desarrollo histórico. Tradicionalmente se le ha considerado un medio subsidiario del óleo o una versión “impura” de la acuarela. Su luminosidad no depende de la base o soporte, sino que su brillo está en la materia misma. Además, puede diluirse en agua, dándole una transparencia parecida a la de la acuarela.

La palabra (gouache) es francesa y proviene de la traducción fonética del término inglés wash (lavado) o comúnmente conocida como aguada. Entre los rasgos que este material adopta en la pintura de Scheibengraf, se encuentra en primer termino el soporte elegido que es el papel. La aguada aparece aquí como uno de los procedimientos utilizados por el autor para generar la capa o layer, siendo la obra resultante de varias aplicaciones de materia que una vez seca (recordemos que es una pintura de rapido secado, exigiendo rápidas tomas de decisiones sobre el soporte) es literalmente lavada, produciendo el efecto de la aguada.

Luego sobrevienen correcciones durante la ejecución, como ligadas al movimiento de una búsqueda que es también búsqueda del devenir en el trabajo de la pintura. La distribución en el plano, utilizando tintas planas, de superficies cubrientes y transparentes resultado de la acción son restos o sedimentos de materia al provocar la aguada.

En Scheibengraf el soporte es un punto de partida. De ahí que las sucesivas capas expandidas y lavadas permiten sucesivos ritornellos una vez terminada cada sesión. La aplicación del color por capas (al menos, una inferior y otra superior) constituye un procedimiento más antiguo, y se basa en la división del trabajo; en la capa inferior se obtenía especialmente el dibujo (la forma), el modelado con sus luces (el sombreado) y una ligera indicación del color.

En la capa superior el artista se entrega directamente a la representación cromática. Pero en ese procedimiento, que para algunos pintores son instancias previsibles de un posible relato o la búsqueda de un tema que justifique la repetición, en Scheibengraf es una suerte de continua deriva, que constituye una búsqueda en sí misma.

Desde la visión del espectador parecería que cada capa de materia produce una especie de eclipse en la visión, un efecto de ceguera transitoria que hace que sea posible afirmar, que frente a la pintura no ve nada, en su desorientación frente a lo inexperimentable, insondable o inexpresable.

Lo que relaciona a estos trabajos con ciertas prácticas contemporáneas que adoptan una actitud respecto a la visualidad, retomando el término «antivisión», de crítica al potencial ilusorio de la imagen. Se podría decir que estas pinturas, consisten en formalizaciones del vacío y la nada, sitúan al espectador en el umbral de lo visible o lo apenas visible, o en el lugar de “ver lo que se da”. Daniel Capardi

(*) Anotaciones dispersas sobre el concepto de duración en la pintura, a propósito de la exhibición de un conjunto de obras de Pablo Scheibengraf

SOBRE EL ARTISTA

Pablo Scheibengraf nace en Córdoba en 1970. Estudió pintura en la Universidad Nacional de Córdoba y hizo un posgrado en pintura en la Escuela de Artes Libres de Kassel, Alemania. Desde 1992 ha participado de numerosas muestras colectivas en espacios como la Werkgalerie de Kassel, Centro Cultural Recoleta y Museo Prov. Caraffa, Córdoba. Desde 2001 al 2005 se desempeñó como profesor en pintura en la Universidad Nacional de Córdoba. Obras suyas pertenecen a colecciones privadas de Argentina, Uruguay, EE UU, Alemania, Italia y a colecciones permanentes del Museo Macro de Rosario y Museo Caraffa de Córdoba.

SUS OBRAS

Sueño

Paisaje

Azul perfuma la noche

EN SU ATELIER

Regala Arte

2008-12-22T09:23:00.000-08:00

2008-12-22T09:22:00.001-08:00

Artis Galería Arte Contemporáneo, tiene el agrado de invitar a Uds. a la Feria de Fin de año, que se expondrá a la venta en nuestra sala, a partir del 19 de Diciembre y permanecerá abierta hasta el 9 de Enero de 2009 . Para todos aquellos que quieran ser únicos, exclusivos y distinguidos obsequiando arte a sus familiares, en el ámbito laboral, le ofrecemos una gran variedad de obras contemporáneas que se encuentran en trastienda, desde pintura, escultura y Fotografías, garantizando el asesoramiento especializado para encontrar la obra adecuada para el acontecimiento oportuno.
Si prefiere pintura ,le ofrecemos una gran variedad de obras de artistas como Andrés Silva Sle, Dante Montich, Diego Bastos, Eduardo Lascano, Emilse Barbosa, Fabio Egea, Gerardo Oberto, Juan Juárez, Juan Paz, Manuel Coll, Manuel Quiroga, Oscar Benedectti, Pia Urbinatti, Ramiro Vázquez, Rubén Menas, Sergio Vizcarra, Silvina Lazzarini,
En cuanto a esculturas, se encuentran los artistas Ángel Hiyakawa , Claudio Gómez y Rodolfo del Solar
Y si prefiere la fotografía para obsequiar en este fin de año, podemos ofrecerles obras de los artistas Gabriel Orge, Gerardo Repetto, Georgina Ribeiro, Jorge Castro, Sergio Vizcarra.
Los Esperamos

CARLOS CRESPO

2008-10-29T13:49:00.000-07:00

0221 LA PLATA SE MUESTRA EN EL CENTRO CULTURAL GENERAL PAZ

2008-10-27T12:52:00.000-07:00

Itinerancia del Arte Platense en Còrdoba

El viernes 24 de Octubre se inaugurò a las 19:30 la muestra itinerante de artistas plásticos platenses “0221 La Plata se Muestra”, auspiciada y organizada por la galería Pisouno Artediseño.
Diecisiete artistas, cada uno con una obra se presentaron en el Centro Cultural General Paz (Pringles 420 Bº Gral Paz) organizado conjuntamente con Artis Galería como parte del recorrido que efectúan en las principales ciudades del país.

Pisouno Artediseño nació en marzo de 2007 como un espacio integrador de las artes plásticas y la comunicación visual, y se posicionó rápidamente como la mejor opción al circuito oficial a nivel local.Los artistas que representarán el arte platense en esta edición son:Jimena Amado Cattaneo, Hugo Arámburu, Gabriela Caregnato, Verónica Dillon, María Josefina Eliggi, Verónica Farina, Guadalupe Garriz, Agustina Girardi, Graciela Grillo, María Victoria Iribas, Gloria Kistenmacher, Verónica Matos, Eduardo Migo, Verónica Müller, RÖ Barragán, María Santi y Silvina Valesini.
Mas info: http://www.pisounoarte.com.ar/

El ser contemporàneos atraviesa a estos artistas y a todos los que nos relacionamos con sus obras en una difìcil comprensiòn las poèticas fijas; por el contrario, la contemporaneidad que nos impregna nos invita a la movilidad, a la permeabilidad de marcas heterogèneas y hasta disìmiles. Bàsicamente nos encontramos con multiplicidad de propuestas artesanales,combinadas ,analògicas ,digitales,hibridadas.
Una variaciòn de eleccionestemàticas y de encuentros con otros lenguajes,con citas,alusiones,prèstamos.Toda la historia se instala en los diferentes trazos recorridos.

Las imàgenes van de l experimental, pasando por las tècnicas mixtas,del campo de la pintura a la gràfica, serigrafìa, al digital sobre una base analògica,como a la fotografìa y al objeto.

Mag. Marìa de los Angeles de Rueda

La muestra podes ir a visitarla de Lunes a Viernes de 8 a 20hs. Entrada libre y gratuita

ANGEL HIYAKAWA

2008-09-29T14:42:00.000-07:00

Desafiando surge la forma

En una constante dialéctica se encuentra lo técnico y lo simbólico; La necesidad de apropiarse del espacio y de ir más allá se conjugan con gracia para tallar dinámicas figuras que se van entrelazando, ensamblando y encastrando para compartir un momento, una impronta que surca el espacio, lo indaga y aliviana la forma. Es así como el interior emerge, se revela como expresión abierta pasando a ser uno de los protagonistas en dichas obras encadenadas por el mismo sentimiento: el desafío que surge del aprender de una primera experiencia, simple en apariencia, para replantear una nueva etapa más elaborada, ¿No tan ingenua ya?Aquí se observan constantes disparadores que se hacen presentes en el momento creativo formando un contin oum de ritmos complementarios compartiendo, ayudando, sosteniendo, escapando y a la vez uniéndose en un noble material: la madera y su posibilidad orgánico-dinámica. Este último es un factor decisivo a la hora de definir su carácter el cual pone en manifiesto el interior del artista con respecto a su propia visión del mundo;

En palabras del autor:“La cadena no lleva en mí la sensación de prisión. Es compartir, ayudarse o sostener. Las cadenas reales son de materiales duros, hechas para resistir al tiempo. En las mías son personajes unidos, tomados en un tiempo x, son figuras que tranquilamente pueden soltarse.” Candelaria B. Delport

ARTEMULTIPLO 2008 / BS AS

2008-09-29T13:14:00.000-07:00

ARTEMÙLTIPLO

Feria de Arte Solidaria

Pintura-Dibujo-Escultura-Fotografia-Instalaciones-Realidad Virtual
Palais de Glace-Desde el 28 de Agosto al 3 de Septiembre de 2008

En el mes de agosto, la ciudad de Buenos Aires contò con una nueva propuesta cultural : ArteMùltiplo, Feria de Arte.Este emprendimiento tiene por objetivo poner en valor,junto con la pintura y la escultura aquellas tecnicas, ramas del artey /o practicas artisticas- tecnologicas, que suelen no ser centrales en otras exposiciones como el grabado,el dibujo,el diseño,las instalaciones,todas ellas atravesadas por la dimensiòn tecnologica.

En esta primera Ediciòn participaron mas de veinte Galerias y ARTIS fue una de ellas ,presentando a los artistas,Ruben Menas,Carlos Crespo,Rodolfo Gonzalez del Solar,Gerardo Oberto.En Trastienda, los artistas Diego Bastos, Jorge Castro, Georgina Ribeiro,Juan Paz y Emilse Barbosa.

GABRIEL ORGE- GERARDO REPETTO

2008-09-26T11:55:00.000-07:00

El pasado Lunes 4 de Agosto, fue la ùltima muestra del ciclo "+ Soportes", en la que Artis galería difundiò arte en otros formatos, presentando a los artistas Gabriel Orge y Gerardo Repetto.

fortuito, ta. /ORGE
(Del lat. fortuītus).
1. adj. Que sucede inopinada y casualmente.

A la par del trabajo, a la par de lo otro, la vida se sucede en pequeños gestos, casi imperceptibles que dan cuenta de la conexión lúdica entre el yo y el mundo que lo rodea, que lo contiene. El ejercicio de la representación aparece allí como un juego, como una intervención precisa y azarosa a la vez que nos devuelve una vez más, la distorsión del espejo. Asumiendo su condición, el espejo nos muestra que la razón tecnológica es finita y nos damos cuenta entonces que desconocemos aún las consecuencias del aleteo de aquella mariposa, como desconocemos también los mecanismos secretos de la caja negra, que nos devuelve una imagen impredecible, marcada por el azar y la experimentación. Haciendo conciente que el paso necesario entre lo real y su representación es una acción imposible de controlar en su totalidad, dejamos que este traspaso de cuenta de su condición: lo que podemos ver representado, posee leves y frágiles relaciones con lo real. El mundo se presenta como un continnum cambiante, a partir del cual podemos lograr -mediante un precario dispositivo- una fracción independiente, con cierta relación con aquel tiempo primero, relación que muchas veces, nos permanece oculta.
Al margen, y ahí dentro, la incertidumbre y el desconsuelo que nos genera.
Paloma Pomés - junio 2008

Gabriel Orge nació en Bell Ville (Córdoba) en 1967. Cursó estudios de fotografía y cine. Su trabajo ha sido exhibido en muestras individuales y colectivas en distintas ciudades de Argentina, España, Canadá, Colombia y Paraguay. Desde el año 2000 coordina el Taller de Experimentación Fotográfica.
En los años 2004 y 2005 participa de los talleres de análisis de gestión para iniciativas de artistas invitado por TRAMA. En 2005 recibe una de las becas de creación del Fondo Nacional de las Artes. Trabaja como fotógrafo independiente y docente. Posee obra suya la colección del Museo Provincial de Bellas Artes Emilio Caraffa y particulares. Vive y trabaja en la ciudad de Córdoba.

POSADO / PASADO-ORGE

Primero la luz / La luz del fuego / Un residuo material de esa luz ocasionando la huella / Depósitos de hollín sobre una placa de vidrio / Manchas, dibujos, negativos / Después, una técnica fotográfica arrastrando un azul lejano / Otra vez la luz, la luz del sol; o sea, otra vez el fuego / La imagen que se queda en el papel / Imágenes que se parecen / La posibilidad infinita de hacer imágenes que se parezcan / El tedio de la repetición / ¿Qué cantidad puedo soportar? / (Visto de cerca el azul no es tan antiguo) / Fabricar una imagen, para confirmar que puedo hacerlo / Poseerla / Sentir que poseo lo que tampoco es de ella / Borrarla / El vidrio está limpio nuevamente.

Nació en 1976, en Villa Huidobro, provincia de Córdoba
Egresó como Fotógrafo de la Escuela de Artes Aplicadas Lino E. Spilimbergo en 1998. Desde entonces, ha realizado talleres y seminarios de perfeccionamiento, tanto en Fotografía específicamente, como vinculados a las artes plásticas y escénicas.Desde 2000, desarrolla su principal actividad artística en el campo de la fotografía experimental, realizando cruces con otras disciplinas.
Expuso individual y colectivamente en diversas ciudades de Argentina y también en el extranjero (Estados Unidos, Brasil, España). Actualmente expone en The Dallas Center for Contemporary Art, en Texas, Estados Unidos.
Entre otros reconocimientos recibió: la Beca Fondo Nacional de las Artes para Artistas y Escritores del Interior del País, en 2005; la Beca FotoFest, para asistir al Internacional Meeting Place, Houston, Estados Unidos en 2006; y, durante el año pasado, la nominación al premio KLM Paul Huf Award 2007, organizado por el Foam_Fotografiemuseum Amsterdam, Holanda.
Tienen obra suya, colecciones de Argentina y EEUU.

MONICA JACOBO- GEORGINA RIBEIRO

2008-09-25T15:08:00.001-07:00

La obra de Mónica Jacobo se centra en la yuxtaposición de ecosistemas donde lo físico y lo virtual son coextensivos, proliferan, y los juegos son uno de estos medios; en ellos el propio cuerpo pasa a controlar un personaje de ficción en una conjunción de virtualidad y presencia. La videoinstalación 00:02:19 es una obra donde se reflexiona sobre la ampliación y la disolución de los limites entre las acciones transcurridas en ambos espacios. Mientras que en la serie Portales la utilización de iconografía de videojuegos remixada con fotografías de objetos reales cuyas coordenadas geográficas se pueden constatar en Google Earth, busca el diálogo entre lo real y otras posibilidades para el objeto en cuestión, de acuerdo a sus características formales y simbólicas en el espacio urbano al que pertenece, considerando su carga histórico cultural.

Mónica Jacobo ha desarrollado instalaciones interactivas, webart y video instalaciones. Su trabajo se vincula frecuentemente con las ideas de realidad/simulacro/ficción que surgen tamizadas por la incorporación de las nuevas tecnologias en la vida cotidiana.Realizó residencias artísticas en Künstlerhaus Büchsenhausen, Austria; y en el Centro Multimedia México, México DF.Fue becaria de la Fundación Antorchas, del programa UNESCO Aschberg y de la Universidad Nacional de Córdoba.Obtuvo el segundo premio en el Concurso Nacional UADE de Arte Digital/Video Arte 2006; el Premio Asociación de Amigos del Museo de Arte Moderno-Categoría Multimedia, premio MAMbA Arte y Nuevas Tecnologías; menciones en Buenos Aires Video XIII, ICI y el Concurso Prodaltec - Arte Digital 2000 entre otros.Su producción artística se ha expuesto en diferentes ciudades de Argentina y Europa. Actualmente es becaria del Fondo Nacional de las Artes. Vive y trabaja en Córdoba.

La obra que se exhibiò de Georgina Ribeiro, fue realizado a partir de una profunda investigación de la composición, de la construcción de los personajes y escenarios, partiendo de la estética que abarca lo oculto, enigmático e inconsciente, que se permite tomar elementos de juego de rol, fantasía y videojuegos. Ella habla de un universo fantástico y lúdico, creado a partir de simetrias y tiempos condensados,bosques laberinticos y dos personajes de videojuego que se situan en el.Una inquietante busqueda entre dos seres que transcurren caminos llenos de enigmas y secretos,los escenarios se construyen al paso de los protagonistas,que logran abrir y cerrar puertas magicas para lograr una asencion a otro mundo y poder salir de ese escenario.Una confusiòn,una persecuciòn,una celda,un sueño,un final y un comienzo que existen previamente a la ediciòn,pero las posiblidades son muchas, dependerà del espectador.

Georgina Ribeiro nació en Córdoba, Argentina, en el año 1981. Estudio Cine en la universidad Nacional de Córdoba. Realizo cursos de Fotografía Documental con Tomas Barceló, cursos teóricos-prácticos con José Pizarro y otros de Postproducción de video y fotografía digital, técnicas mayormente utilizadas en su obra. Incursionó como asistente de dirección en cine publicitario y como fotógrafa de moda, en Córdoba y Buenos Aires. Con su obra participó en la muestra colectiva del Festival de nuevas tendencias "Micro Niu" 2007 en la Fotogaleria de la Facultad de Ciencias Economicas de la UNC recientemente en el CAC Centro de Arte Contemporaneo "Chateau Carreras".

Grafitti Lucas Aguirre

2008-09-23T12:25:00.000-07:00

JORGE CASTRO

2008-09-16T12:56:00.000-07:00

El ciclo "+ Soportes", quedó inaugurado el pasado lunes 7 de Julio con la exposición del Artista Jorge Castro;uno de los pioneros en electronica de nuestro paìs, presentando su obra “San Roque (San R]~)”, una vídeo/Audio perfomance en tiempo real donde se trabajo con el material recolectado, en el lago San Roque Cordoba ,Argentina, lugar donde la ùltima Dictadura Militar utilizò para ocultar los cuerpos de los desaparecidos politicos como fosa comùn.Se realizaron grabaciones a 35 mts de profundidad captados con hydrofonos, que es parte de la obra sonora/visual que intenta rescatar la memoria sonora/visual de la época (años '70 ) como un acto de limpieza hacia una nueva cultura. “San Roque (San R]~)”, es una obra conceptual ,lower case y de formato multimedia de carácter imersivo donde los sonidos y las imágenes ,sumergen al espectador en la escena de el paredón del lago. Esta obra se desarrollarà en el festival shift de Basel en el marco de la Gira Mundial de presentación del sello experimental Sudamérica electrónica.

"Si bien historicamente el silencio es parte de nuestra cultura, a niveles tecnicos, el silencio sonoro no existe ", afirma el artista. Y agrega: "Quiza algo no palpable a niveles fìsicos pueda ser captado por un micròfono.Propongo a traves de este proyecto rescatar esa memoria sonora e interferir con el paisaje visual transitorio"

La obra San Roque fue premiada en la 5º Ediciòn del Premio "Arte y Tecnologia" de la Fundaciòn Telefònica;exhibiendose en la sede de Bs As; en Mayo pasado, y ademas se presentarà en el Festival Shift de Basel,como parte de la gira mundial de presentaciòn del Sello Experimental Sudamerica

electrònica creado por el mismo Artista.

MARCOS ACOSTA

2008-06-12T14:03:00.000-07:00

La carrera de Acosta de los últimos años ha sido una de las más destacadas y esperanzadoras dentro de la pintura joven. Con sólo 27 años, ya ha expuesto su obra en el Centro de Arte Contemporáneo de Córdoba, en el Palais de Glace de Buenos Aires y estará presente en la prestigiosa feria ArteBA de este año. La pintura de Acosta parte del paisaje, elaborando e investigando sobre la encrucijada entre lo racional y lo erróneo, descontrolado, abismal. Moviéndose al borde de esta incisión, Acosta llega a propuestas que proponen reformular la relación entre lo figurativo y lo abstracto. La muestra contrapone dos d

isciplinas que Acosta domina con excelente destreza: la pintura y el grabado.

SERGIO VIZCARRA

2008-06-12T13:46:00.000-07:00

Rodrigo Alonso destaca sobre su obra en una nota en el diario Arte al Día: “Sergio Vizcarra posa sus ojos sobre la naturaleza, una de las fuentes de inspiración más frecuentes en la fotografía paisajista. En ella descubre profundidades, puntos de fuga, reflejos. Sus imágenes cautivan la mirada con una profusión de detalles e información visual, con encuadres potentes y una iluminación muy cuidada.”

El artista mismo reflexiona sobre su obra:

“Sabemos sobre lo intangible,
y el mundo nos habla de ello;
pero a veces maquinizamos
nuestras percepciones
y no lo podemos escuchar,
entonces, suceden instantes
en los que se manifiestan
menudencias significativas".

Colectiva Artistas de Artis en La Plata

2008-06-12T13:29:00.000-07:00

El jueves 8 de mayo a las 19 hs. quedará inaugurada esta muestra colectiva de artistas cordobeses en la galería Pisouno Artediseño de la ciudad de La Plata. Participan de la propuesta los artistas de la galería ARTIS Marcos Acosta, Gerardo Oberto, Diego Bastos, Oscar Benedectti, Ángel Hiyakawa, Manuel Quiroga y Georgina Ribeiro, con trabajos de variadas técnicas.
La entrada es libre y gratuita y se podrá visitar hasta el 6 de junio.

RUBEN MENAS

2008-06-12T13:18:00.000-07:00

“Lo no visto” de Rubén Menas propone una inmersión en el mundo de paisajes creados recientemente por este pintor, que tienen algo en común: la desaparición de la figura humana. A primera vista, los paisajes de Menas parecen ser impresiones plasmadas a través de la contemplación de lugares concretos, pero al detenerse uno en una lectura más intensa, resalta el carácter subjetivo y de invención de estos lugares. A través de la acción pictórica se convierten en mundos pensados y, justamente, “no vistos”. El crítico de arte Artemio Rodríguez subraya en el texto para el catálogo de la muestra esta fuerza imaginativa de Menas: “Ha elegido la habilidad del bosquejo para mejor asistir a la descripción de escenas procedentes de ficciones que cruzan el cosmos. Es éste su hallazgo: concluir animosas (o atrevidas) reacciones con ingenio creador. (La experiencia adiestra de un modo correcto a abocetar al solo fin de sugerir y, con ello, evitar la duplicación superflua de referencias que menguan la gracia del lenguaje). Lo guía, se infiere pronto, formal voluntad de transmitir ensueños o conceptos privados, tal vez de larga data. En toda ocasión, las ideas afloran luego de cumplidas las fases de una ceñida cultura poética. Se puede determinar que este artista, merced a un sano discurrir, suscribe frases que devienen de asientos extraños a la naturaleza. ”

GERARDO OBERTO

2008-06-12T13:06:00.001-07:00

No viene de una familia de artistas, ni siquiera en su hogar paterno de Rio Cuarto el arte era un tema de cotidiana frecuentación.
Sin embargo, Gerardo Oberto no dudo cuando a los 17 años dijo que quería ser artista y asumió su vocación al inscribirse en la Escuela de Artes de la Universidad Nacional de Córdoba.
Contaba en su aval con una notable capacidad para el dibujo, es mas hasta pensó en estudiar arquitectura pero la pasión por la Pintura fue mas fuerte. Lo sigue siendo. La obra de Andy Warhol resulto clave en la conformación de un estilo que desdobla la imagen en dos planos, un fondo de imagenes seriadas, muchas de ellas tomadas con su propia cámara a las que posteriormente interviene, y, adelante, figuras, sombras recortadas a la manera de imagenes chinescas a las que da forma sin jamas usar pincel.
Pinta con brocha, enmascarando la silueta por una razón que asume como existencial: no tomar contacto con el pincel, casi, como si fuera la tela misma la que alumbrara las formas que pueden ser perfiles urbanos, la figura humana, edificios recortados como perfiles enigmáticos.
De su primer acercamiento al arte permanece su fascinación por los simbolistas británicos presentes en la paleta de reminiscencias nocturnas tocada apenas por una estela de luces que semeja la vía láctea. Esencialmente pictórica, su obra resulta por momentos un desafío para la mirada. Sos dificiles de descifrar los caminos de la pintura, esa azarosa combinación de recursos de todo tipo que le han valido hasta el presente distinciones y premios cada ves que hizo publica su producción.
Vive y trabaja en un PH de nueva Córdoba, cerca de la Universidad Nacional donde en pocos meses recibirá su titulo, pasaporte para dedicarse a la pintura de tiempo completo. Sereno, con una mirada nocturna como sus cuadros, a los 24 años Gerardo Oberto tiene clara sus prioridades, aunque no le gusta hablar de influencias admite que la historia de su corta producción mucho tuvo que ver el tratamiento del espacio que hace Kuitca en sus telas primeras y, de forma recurrente, los fondos seriados del inefable Warhol.

ALICIA DE ARTEAGA

RODOLFO GONZALEZ DEL SOLAR

2007-12-01T06:46:00.000-08:00

LO NO VISTO"

Alumno de maestros como Ennio Iommi y Antonio Pugia, Rodolfo González del Solar juega en su obra con las formas del cuerpo humano y la naturaleza, poniendo en cuestión las leyes de gravedad, en esculturas de hierro y de resina de carácter sublime. Cesar Magrini, escritor y crítico de arte de Buenos Aires, dice acerca de su obra: “Rodolfo González del Solar hiende el aire, para hacer la prueba de lo que parecerá, una vez materializada, su escultura, que conservara – es un amplio y puro milagro - una vez sostenida en el espacio. Por que las maravillas que salen de sus manos poseen ese levísimo equilibrio, que parece sobrenatural, fuera del mundo y de sus leyes de gravedad. Y si la pieza adquiere un cuerpo algo mayor, el milagro continua invariable, porque iguales son las aerostáticas leyes que la dominan, y las piezas van adquiriendo una tonalidad mas celestial, tal vez para acercarlas aun más al origen del cual provienen.”

EMILSE BARBOSA - JUAN PAZ

2007-09-25T12:57:00.000-07:00

Los dos artistas armaron en conjunto una instalación especialmente ideada para este espacio, revelando y generando aspectos y contenidos que vinculan sus obras entre si, rompiendo y repensando los habituales moldes de presentación. “Pensamos articular la muestra partiendo de la idea de no dividir el espacio, trabajar a partir del lugar y sin dejar de tener en cuenta la obra del otro”, explican Barbosa y Paz. “pensamos entonces en una instalación con la obra de los dos, que tiene que ver con una vinculación y una síntesis entre espacio-obra-artista, los diálogos pretenden una ampliación, modificando y sumando en el contenido de la obra, como efecto generador, dando lugar a una nueva producción.” Pinturas de pequeño y mediano formato, dibujos sobre soportes inesperados como posavasos de papel o resina y escultura-objetos forman parte de esta instalación.
Objetopinturadibujo y el espacio; hay referencias a varios lugares, pero todo termina traduciéndose en un mismo paisaje que al final propone ser repensado.

ANDRÉS SILVA SLE - DIEGO BASTOS

2007-08-09T15:25:00.000-07:00

Andrés Silva Sle se caracteriza por una pintura alimentada por el neoexpresionismo o bien la nueva figuración. “Mis obras siempre tuvieron rasgos expresionistas, la gestualidad que me caracteriza tiene que ver con disfrutar de la pintura, disfrutar de la acción de pintar….y disfrutar de descargar lo que esta contenido,” explica él. . En las pinturas de Andrés Silva Sle se percibe esta síntesis de lo sensual con lo racional, algo que la hace extremamente actual. “A veces pienso en mi obra y no pienso, siento…es una sensación que repercute casi inalteradamente en mi...”

En las pinturas y acuarelas de Diego Bastos se evocan más las bellas y extrañas figuras del surrealismo o de la pintura mexicana, pero también de los siglos pasados, como las de la temprana pintura italiana. Sin embargo, sus cuadros son de una inconfundible contemporaneidad, reflexionando sobre varios siglos de historia del arte. Bastos combina en sus pinturas el legado de distintas culturas, haciendo aparecer elefantes o templos, en un mundo de imágenes oníricamente real.

MANUEL QUIROGA

2007-06-13T12:50:00.000-07:00

Algo especial diferencia su trabajo (con el que tomé contacto en una lejana muestra en la Casona Municipal). Es por cierto una pintura… directa, muchas veces despojada en la que, sin embargo, logra generar –dentro del repertorio de formas que manipula – una especie de interrogante constante sobre su propio sentido.
Su obra es cruda y por momentos ni el sarcasmo que la sobrevuela logra disimular un cargado dramatismo. Muchas veces aparece segmentada o relacionándose entre si como una novela, o fragmentos de una novela que a su vez son fragmentos de algún cuento que no se debe contar o no se sabe… o no se debe… Y en muchos casos ese silencio opaco con que carga algunas de sus telas contiene algún tipo de respuesta.
Tal vez sea esa propia confianza en “la pintura como medio expresivo”, lo que le da la potencia a la obra y sus atentos recursos técnicos, que tienden a configurar ese “territorio” donde se transforma la mirada.
Termino citando un fragmento de M. Ponty de “El ojo y el espíritu”, refiriéndose al pintor: “es un ser, por la confusión, el narcisismo, por la inercia del que ve en lo que ve, y por inercia del que siente en lo sentido, un ser atrapado en las cosas, que tiene un frente y espalda, un pasado y un futuro”.
Juan Longhini

Manuel Quiroga nace en Córdoba en 1968. Desde 1995 participa en numerosas exposiciones de las cuales se destacan sus muestras individuales “Sin título” (Galería Praxis, Córdoba, Argentina, 2002); “Campo Abierto – El destino” (Museo Genaro Pérez, Córdoba, Argentina, 2001) y “Los teatros” (Galería NQ, Centro Cultural Borges, Córdoba, Argentina, 1998).
Asimismo ha sido seleccionado en importantes salones como el “LIX Salón Nacional de Rosario” (Rosario, Santa Fe, Argentina, 2005); “Premio Argentino de Artes Visuales 2005” de la Fundación OSDE (Selección Nacional, Buenos Aires, Argentina) y el “Cultural Chandon 2004” (Museo de Bellas Artes Emilio Caraffa, Córdoba, Argentina).
Su obra forma parte de las colecciones de los museos Emilio Caraffa y Genaro Pérez, de Córdoba, y del Museo de Arte Contemporáneo de Rosario (MACRO), así como de diversas colecciones privadas.