El artista inauguró el año de ARTIS con la Exposición "Lo Que Quiero", el pasado viernes 24 de Abril , una invitación a realizar un recorrido a mundos desconocidos que estallan entre el color, la armonía, lo sutil y la fuerza que emana de sus obras, un recorrido entre el tiempo y el espacio sin límites, gritos de libertad para imaginar , pensar y sentir libremente.
- Del 24 de Abril al 15 de Mayo de 2009-
La Gran velada de "Lo que Quiero"
Así quedó inaugurada la primera Exposición del año en ARTIS, con una gran aceptación por parte del público a la primera propuesta, "Lo que Quiero"
El público disfrutando de "Lo que Quiero"
El artista, Carlos Crespo y la Directora del Goethe, Almut Schmidt
El artista ,Juan Martín Juáres, próximo anfitrión de Artis
Los artistas, Rubén Menas y Tulio Romano
Los artistas, Ramiro Vázquez y Lucas Di PascualeAsí quedó , "Lo que Quiero"
Inauguramos el año 2009 y con nueva fachada
Hall Principal de Artis 
Interior de Artis 
Interior de Artis Durante el Montaje de "Lo que Quiero"
Comenzando a ubicar las obras
Pablo Scheinbengraf y Gustavo Limperis
Primera aproximación a la invitaciónEntrevista por Natalia Elías (*)
“El color implica un alto grado de sensibilidad y emoción ,podría decir que el color expresa mi ser en su totalidad “
- Asi comienza a contarnos sobre "Lo que quiero"
- LO QUE QUIERO, será una muestra de gouche con la técnica del gouche sobre papel ,el gouche es un material parecido a la tempera y se aplica sobre papel y se diferencia de la acuarela porque la acuarela trabaja con la luz que genera el blanco brillante del papel , en cambio el gouche, el color esta dado por la misma materia, y se adapta a trabajos mas espontáneos donde hay contrastes fuertes de color y donde trata de expresar de alguna m anera un sentimiento , es menos racional que la acuarela, si bien son materiales similares pero la acuarela tiene menos carga y se hace mas transparente.
- ¿ La técnica influye en la creación de tus obras ?
- En realidad uno termina eligiendo una técnica como el gouche porque está relacionado el concepto del trabajo de la propia obra, el tipo de pintura que realiza se podría enmarcar dentro de una pintura de acción , donde uno a través de la acción de la pintura puede expresar un estado de animo. En términos mas precisos podría decirse que el cuadro no tiene un boceto previo y que en algún momento uno expresa lo que no siente , se d eja pintar y aparece lo que vendría a ser el resultado de esa acción, no se llega a un cuadro de este tipo con un alto grado de especulación pictórica. Puede haber, pero nada es absoluto y en este tipo de pintura aparece la casualidad, la falta de especulación en la acción, en la medida de lo posible uno lo que trata de que no haya eso, que sale naturalmente , uno trata constantemente de buscar referencia de un color en otro y aplicar otro color en base a lo que puso. Eso es educativo, después uno trata que sea mas espontáneo y que esa especulación vaya quedando de lado.
- ¿Y que importancia tienen los colores en tus pinturas?
- El color es básicamente el sentimiento, el color está sentido, como no es una pintura dominada por el dibujo, no esta dominada por la racionalidad. El dibujo expresa mucha racionalidad en la pintura o en cualquier imagen, el color para mi, implica un alto grado de sensibilidad y emoció n , podría decir que el color expresa mi ser en su totalidad. El color termina expresando mi ser interno de una manera holística , podría decir que es una pintura filosófica cromática en acción, porque implica lo que siento y soy , no lo que estoy pensando.
-¿y que cosas te movilizan, inspiran para crear?
- Lo que mas me moviliza es el contacto con la naturaleza, es lo que visualmente mas me impacta para trabajar los colores . Después no necesito mucho mas para expresar lo que estoy sintiendo , todo lo otro que me impacta en mi estado de ánimo para poder expresar no lo puedo razonar pero si me doy cuenta que todos los estados de ánimos suelo utilizar como un modo de entrar en la acción, en la pintura, quizás puedo estar triste , empezar un cuadro y puede terminar siendo muy alegre. Siempre la emoción moviliza a la acción, esa es como una teoría universal,entonces cuando vos te apropias de una emoción cualquiera sea, te moviliza a una acción determinada, no significa que en medio de la acción tus emociones , sentimientos cambien o tu estado interior cambie pero ya la acción empezó, entonces el cuadro puede terminar de la forma opuesta a la que empezó a nivel emocional. En ese sentido el ser o la existencia es un misterio.
- Porque elegiste la corriente artística de la abstracción para expresarte
- Hace mas de 11 años que trabajo esta corriente y comencé en la abstracción porque me atraía esa cuestión de agregarle algún elemento figurativo a la abstracción que en ese momento aparecía como fondo y lo que hacia la figura era trabar la acción porque una vez que uno comienza una figura ya sabe cual es el recorrido posterior.Entonces cuando vi que la figura cortaba el fluir de la acción , la saqué del accionar de mi pintura. Ahora, porque llego a eso, influye mi filosofía de vida que tiene que ver con la idea presentista de vivir, hacer que el presente sea el momento de la vida.
- Te interesa la lectura que reliaza el público de tus obras
- A mi me interesa mucho que alguien pueda disfrutar , ser feliz, pensar, reflexionar a partir de la pintura que realizo. Lo que pasa que entender una pintura mía es un contrasentido, se bloq uea muy rápido el paso para la persona que quiere entender. La persona que naturalmente o por conocimiento logra pasarlo por su sensibilidad entonces puede decir ,si mi pintura tiene vida o no , mas allá de que guste o no. Mi pintura es una pintura que gusta por los colores, la sensibilidad del color, el que la pasa por dentro puede decir si mi pintura tiene vida o no.
- Y ahora que reflexión haces de tu propia obra
- A veces como suelo decirle a la gente que no entiende mucho de pintura como una forma de atajarse porque la verdad la gente se siente muy analfabeta de un sentimiento que no debería existir en general , como a la gente le gusta la música clásica y no dice , yo no entiendo nada, pero sin embargo la escucha. Con la pintura hay un problema, la gente cree que tiene que entenderla como si tuviera que entender la música clásica o una película y creo que es una falta de ejercicio que tiene que ver con eso solamente ,porque cuando ves una pintura abstracta y expresionista rápidamente lo que te indica al cuerpo es sentirla a la pintura.
- Ante una nueva Exposición , Como ves el mercado local
- Hay un mercado pero es muy pequeño , pero creo que a medida que pasa el tiempo , la gente se va dando cuenta y sobre todo la gente mas joven, que no es lo mismo tener una pintura original en la cas a. Y hay gente que va perdiendo el miedo y va empezando a comprar, particularmente he vendido mis pinturas en Córdoba. Creo que va a ir creciendo el mercado en Córdoba. - Por último , que expectativas hay ante LO QUE QUIERO - No tengo expectativas , y eso te libera, pero la ilusión de que le pueda llegar a alguien lo que vos haces siempre está. Pero de todas maneras estoy agradecido de lo que venga y muy contento por ser el que abre el año en ARTIS.
(*) Comunicación y Prensa de Artis
- LO QUE QUIERO, será una muestra de gouche con la técnica del gouche sobre papel ,el gouche es un material parecido a la tempera y se aplica sobre papel y se diferencia de la acuarela porque la acuarela trabaja con la luz que genera el blanco brillante del papel , en cambio el gouche, el color esta dado por la misma materia, y se adapta a trabajos mas espontáneos donde hay contrastes fuertes de color y donde trata de expresar de alguna m anera un sentimiento , es menos racional que la acuarela, si bien son materiales similares pero la acuarela tiene menos carga y se hace mas transparente.
- ¿ La técnica influye en la creación de tus obras ?
- En realidad uno termina eligiendo una técnica como el gouche porque está relacionado el concepto del trabajo de la propia obra, el tipo de pintura que realiza se podría enmarcar dentro de una pintura de acción , donde uno a través de la acción de la pintura puede expresar un estado de animo. En términos mas precisos podría decirse que el cuadro no tiene un boceto previo y que en algún momento uno expresa lo que no siente , se d eja pintar y aparece lo que vendría a ser el resultado de esa acción, no se llega a un cuadro de este tipo con un alto grado de especulación pictórica. Puede haber, pero nada es absoluto y en este tipo de pintura aparece la casualidad, la falta de especulación en la acción, en la medida de lo posible uno lo que trata de que no haya eso, que sale naturalmente , uno trata constantemente de buscar referencia de un color en otro y aplicar otro color en base a lo que puso. Eso es educativo, después uno trata que sea mas espontáneo y que esa especulación vaya quedando de lado.
- ¿Y que importancia tienen los colores en tus pinturas?
- El color es básicamente el sentimiento, el color está sentido, como no es una pintura dominada por el dibujo, no esta dominada por la racionalidad. El dibujo expresa mucha racionalidad en la pintura o en cualquier imagen, el color para mi, implica un alto grado de sensibilidad y emoció n , podría decir que el color expresa mi ser en su totalidad. El color termina expresando mi ser interno de una manera holística , podría decir que es una pintura filosófica cromática en acción, porque implica lo que siento y soy , no lo que estoy pensando.
-¿y que cosas te movilizan, inspiran para crear?
- Lo que mas me moviliza es el contacto con la naturaleza, es lo que visualmente mas me impacta para trabajar los colores . Después no necesito mucho mas para expresar lo que estoy sintiendo , todo lo otro que me impacta en mi estado de ánimo para poder expresar no lo puedo razonar pero si me doy cuenta que todos los estados de ánimos suelo utilizar como un modo de entrar en la acción, en la pintura, quizás puedo estar triste , empezar un cuadro y puede terminar siendo muy alegre. Siempre la emoción moviliza a la acción, esa es como una teoría universal,entonces cuando vos te apropias de una emoción cualquiera sea, te moviliza a una acción determinada, no significa que en medio de la acción tus emociones , sentimientos cambien o tu estado interior cambie pero ya la acción empezó, entonces el cuadro puede terminar de la forma opuesta a la que empezó a nivel emocional. En ese sentido el ser o la existencia es un misterio.
- Porque elegiste la corriente artística de la abstracción para expresarte
- Hace mas de 11 años que trabajo esta corriente y comencé en la abstracción porque me atraía esa cuestión de agregarle algún elemento figurativo a la abstracción que en ese momento aparecía como fondo y lo que hacia la figura era trabar la acción porque una vez que uno comienza una figura ya sabe cual es el recorrido posterior.Entonces cuando vi que la figura cortaba el fluir de la acción , la saqué del accionar de mi pintura. Ahora, porque llego a eso, influye mi filosofía de vida que tiene que ver con la idea presentista de vivir, hacer que el presente sea el momento de la vida.
- Te interesa la lectura que reliaza el público de tus obras
- A mi me interesa mucho que alguien pueda disfrutar , ser feliz, pensar, reflexionar a partir de la pintura que realizo. Lo que pasa que entender una pintura mía es un contrasentido, se bloq uea muy rápido el paso para la persona que quiere entender. La persona que naturalmente o por conocimiento logra pasarlo por su sensibilidad entonces puede decir ,si mi pintura tiene vida o no , mas allá de que guste o no. Mi pintura es una pintura que gusta por los colores, la sensibilidad del color, el que la pasa por dentro puede decir si mi pintura tiene vida o no.
- Y ahora que reflexión haces de tu propia obra
- A veces como suelo decirle a la gente que no entiende mucho de pintura como una forma de atajarse porque la verdad la gente se siente muy analfabeta de un sentimiento que no debería existir en general , como a la gente le gusta la música clásica y no dice , yo no entiendo nada, pero sin embargo la escucha. Con la pintura hay un problema, la gente cree que tiene que entenderla como si tuviera que entender la música clásica o una película y creo que es una falta de ejercicio que tiene que ver con eso solamente ,porque cuando ves una pintura abstracta y expresionista rápidamente lo que te indica al cuerpo es sentirla a la pintura.
- Ante una nueva Exposición , Como ves el mercado local
- Hay un mercado pero es muy pequeño , pero creo que a medida que pasa el tiempo , la gente se va dando cuenta y sobre todo la gente mas joven, que no es lo mismo tener una pintura original en la cas a. Y hay gente que va perdiendo el miedo y va empezando a comprar, particularmente he vendido mis pinturas en Córdoba. Creo que va a ir creciendo el mercado en Córdoba. - Por último , que expectativas hay ante LO QUE QUIERO - No tengo expectativas , y eso te libera, pero la ilusión de que le pueda llegar a alguien lo que vos haces siempre está. Pero de todas maneras estoy agradecido de lo que venga y muy contento por ser el que abre el año en ARTIS.
(*) Comunicación y Prensa de Artis
Estratos (*)
La pintura es una especie resultante de la producción de arte, en la medida que muestra que es posible transformar la materia subjetiva bruta, en una identidad sofisticada y enérgica. Hace tiempo que las pinturas de Pablo Scheibengraf no se exhiben en conjunto. Esta exposición trata sobre su producción más reciente, gouaches sobre papel, que al considerar su soporte podrían tratarse de obras de pequeño formato, pero no. Un texto que intenta hablar de pintura (aún si se remite al trabajo en la pintura), y en este caso de una pintura que no tiene tema, se refiere a las últimas producciones que de esta naturaleza existieron.
Es en la pintura (abstracta) donde se deja de considerar justificada la necesidad de la representación (figurativa) y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. El sentido de lo que “no se puede ver” o en ese quedarse fuera de la vista, o que “no encaja”, “no se acomoda”, o como “un extraño fuera de lugar” o también lo que pese a su llamativa presencia, “añade un tono de extraña ausencia”, son sus rasgos dominantes. Tomando en consideración el carácter singular, individual de cada obra, en relación a un contexto, -el muro, su soporte natural, o el espacio de la galería- abandonando toda iniciativa de relato, cada pieza parece atrapar a la otra, aun cuando se trata de constelaciones unitarias, para transformarla en otra mayor.
La pintura es un conjunto de elementos diferenciados e irreductibles, articulados e interdependientes, por lo cual esa constelación adopta una figura precisa, un contenido y una consistencia. Para esto los medios utilizados por Scheibengraf tienen su propia tecnología con su historia, hallazgos y limitaciones. En este caso la pintura reproduce la dinámica de una causalidad entre los aportes de la innovación pasada y la expresión buscada.
El gouache fue probablemente descubierto en el siglo XI, su opacidad estaba al servicio de ilustrar manuscritos. La elección del gouache es por tratarse de una acuarela opaca, que sin ser lo mismo, ambos procedimientos comparten un parecido desarrollo histórico. Tradicionalmente se le ha considerado un medio subsidiario del óleo o una versión “impura” de la acuarela. Su luminosidad no depende de la base o soporte, sino que su brillo está en la materia misma. Además, puede diluirse en agua, dándole una transparencia parecida a la de la acuarela.
La palabra (gouache) es francesa y proviene de la traducción fonética del término inglés wash (lavado) o comúnmente conocida como aguada. Entre los rasgos que este material adopta en la pintura de Scheibengraf, se encuentra en primer termino el soporte elegido que es el papel. La aguada aparece aquí como uno de los procedimientos utilizados por el autor para generar la capa o layer, siendo la obra resultante de varias aplicaciones de materia que una vez seca (recordemos que es una pintura de rapido secado, exigiendo rápidas tomas de decisiones sobre el soporte) es literalmente lavada, produciendo el efecto de la aguada.
Luego sobrevienen correcciones durante la ejecución, como ligadas al movimiento de una búsqueda que es también búsqueda del devenir en el trabajo de la pintura. La distribución en el plano, utilizando tintas planas, de superficies cubrientes y transparentes resultado de la acción son restos o sedimentos de materia al provocar la aguada.
En Scheibengraf el soporte es un punto de partida. De ahí que las sucesivas capas expandidas y lavadas permiten sucesivos ritornellos una vez terminada cada sesión. La aplicación del color por capas (al menos, una inferior y otra superior) constituye un procedimiento más antiguo, y se basa en la división del trabajo; en la capa inferior se obtenía especialmente el dibujo (la forma), el modelado con sus luces (el sombreado) y una ligera indicación del color.
En la capa superior el artista se entrega directamente a la representación cromática. Pero en ese procedimiento, que para algunos pintores son instancias previsibles de un posible relato o la búsqueda de un tema que justifique la repetición, en Scheibengraf es una suerte de continua deriva, que constituye una búsqueda en sí misma.
Desde la visión del espectador parecería que cada capa de materia produce una especie de eclipse en la visión, un efecto de ceguera transitoria que hace que sea posible afirmar, que frente a la pintura no ve nada, en su desorientación frente a lo inexperimentable, insondable o inexpresable.
Lo que relaciona a estos trabajos con ciertas prácticas contemporáneas que adoptan una actitud respecto a la visualidad, retomando el término «antivisión», de crítica al potencial ilusorio de la imagen. Se podría decir que estas pinturas, consisten en formalizaciones del vacío y la nada, sitúan al espectador en el umbral de lo visible o lo apenas visible, o en el lugar de “ver lo que se da”. Daniel Capardi
(*) Anotaciones dispersas sobre el concepto de duración en la pintura, a propósito de la exhibición de un conjunto de obras de Pablo Scheibengraf
Es en la pintura (abstracta) donde se deja de considerar justificada la necesidad de la representación (figurativa) y tiende a sustituirla por un lenguaje visual autónomo, dotado de sus propias significaciones. El sentido de lo que “no se puede ver” o en ese quedarse fuera de la vista, o que “no encaja”, “no se acomoda”, o como “un extraño fuera de lugar” o también lo que pese a su llamativa presencia, “añade un tono de extraña ausencia”, son sus rasgos dominantes. Tomando en consideración el carácter singular, individual de cada obra, en relación a un contexto, -el muro, su soporte natural, o el espacio de la galería- abandonando toda iniciativa de relato, cada pieza parece atrapar a la otra, aun cuando se trata de constelaciones unitarias, para transformarla en otra mayor.
La pintura es un conjunto de elementos diferenciados e irreductibles, articulados e interdependientes, por lo cual esa constelación adopta una figura precisa, un contenido y una consistencia. Para esto los medios utilizados por Scheibengraf tienen su propia tecnología con su historia, hallazgos y limitaciones. En este caso la pintura reproduce la dinámica de una causalidad entre los aportes de la innovación pasada y la expresión buscada.
El gouache fue probablemente descubierto en el siglo XI, su opacidad estaba al servicio de ilustrar manuscritos. La elección del gouache es por tratarse de una acuarela opaca, que sin ser lo mismo, ambos procedimientos comparten un parecido desarrollo histórico. Tradicionalmente se le ha considerado un medio subsidiario del óleo o una versión “impura” de la acuarela. Su luminosidad no depende de la base o soporte, sino que su brillo está en la materia misma. Además, puede diluirse en agua, dándole una transparencia parecida a la de la acuarela.
La palabra (gouache) es francesa y proviene de la traducción fonética del término inglés wash (lavado) o comúnmente conocida como aguada. Entre los rasgos que este material adopta en la pintura de Scheibengraf, se encuentra en primer termino el soporte elegido que es el papel. La aguada aparece aquí como uno de los procedimientos utilizados por el autor para generar la capa o layer, siendo la obra resultante de varias aplicaciones de materia que una vez seca (recordemos que es una pintura de rapido secado, exigiendo rápidas tomas de decisiones sobre el soporte) es literalmente lavada, produciendo el efecto de la aguada.
Luego sobrevienen correcciones durante la ejecución, como ligadas al movimiento de una búsqueda que es también búsqueda del devenir en el trabajo de la pintura. La distribución en el plano, utilizando tintas planas, de superficies cubrientes y transparentes resultado de la acción son restos o sedimentos de materia al provocar la aguada.
En Scheibengraf el soporte es un punto de partida. De ahí que las sucesivas capas expandidas y lavadas permiten sucesivos ritornellos una vez terminada cada sesión. La aplicación del color por capas (al menos, una inferior y otra superior) constituye un procedimiento más antiguo, y se basa en la división del trabajo; en la capa inferior se obtenía especialmente el dibujo (la forma), el modelado con sus luces (el sombreado) y una ligera indicación del color.
En la capa superior el artista se entrega directamente a la representación cromática. Pero en ese procedimiento, que para algunos pintores son instancias previsibles de un posible relato o la búsqueda de un tema que justifique la repetición, en Scheibengraf es una suerte de continua deriva, que constituye una búsqueda en sí misma.
Desde la visión del espectador parecería que cada capa de materia produce una especie de eclipse en la visión, un efecto de ceguera transitoria que hace que sea posible afirmar, que frente a la pintura no ve nada, en su desorientación frente a lo inexperimentable, insondable o inexpresable.
Lo que relaciona a estos trabajos con ciertas prácticas contemporáneas que adoptan una actitud respecto a la visualidad, retomando el término «antivisión», de crítica al potencial ilusorio de la imagen. Se podría decir que estas pinturas, consisten en formalizaciones del vacío y la nada, sitúan al espectador en el umbral de lo visible o lo apenas visible, o en el lugar de “ver lo que se da”. Daniel Capardi
(*) Anotaciones dispersas sobre el concepto de duración en la pintura, a propósito de la exhibición de un conjunto de obras de Pablo Scheibengraf
SOBRE EL ARTISTA
Pablo Scheibengraf nace en Córdoba en 1970. Estudió pintura en la Universidad Nacional de Córdoba y hizo un posgrado en pintura en la Escuela de Artes Libres de Kassel, Alemania. Desde 1992 ha participado de numerosas muestras colectivas en espacios como la Werkgalerie de Kassel, Centro Cultural Recoleta y Museo Prov. Caraffa, Córdoba. Desde 2001 al 2005 se desempeñó como profesor en pintura en la Universidad Nacional de Córdoba. Obras suyas pertenecen a colecciones privadas de Argentina, Uruguay, EE UU, Alemania, Italia y a colecciones permanentes del Museo Macro de Rosario y Museo Caraffa de Córdoba.
SUS OBRAS
Sueño 
Paisaje 
Azul perfuma la nocheEN SU ATELIER
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